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Leo Copers (Gent, 1947) ist ein BelgierKünstler. Er studierte an der Hochschule Sint Lucas und an der Kunstakademie seiner Heimatstadt.

Das Oeuvre von Leo Copers beginnt 1969, als er eine brennende Glühbirne in eine Schüssel mit Wasser taucht. Diese „Water Lamp“ genannte Arbeit wurde zum Ausgangspunkt für eine ganze Reihe anderer, darunter Röhrenlampen, die auf dem Meer schwimmen oder eine Art Damm in einem Fluss bilden. Er setzte auch einen örtlichen Teich in Brand und ließ abwechselnd einen Tropfen Wasser und einen Tropfen Öl auf eine erhitzte Metallplatte fallen, so dass abwechselnd eine Dampfwolke und eine Flamme auftauchten. 1972 stellte er einen Plattenspieler in einen Wasserbehälter und ließ ihn Arthur Browns Lied „Fire“ spielen. Er arbeitet wie ein moderner Alchemist, der gegensätzliche Elemente wie Feuer und Wasser zur Versöhnung zwingt, um zu einem paradoxen Bild zu gelangen. Oder als Unruhestifter, der das Unmögliche erforschen möchte, wie sein Projekt, die Wasserfälle von Coo in Brand zu setzen oder einen einzelnen Baum in einem Wald in Brand zu setzen.

Solche Ideen offenbaren seine Affinität zu René Magritte, der in seinen Bildern oft wundersame oder absurde Situationen visualisierte. Gelegentlich bezieht er sich direkt auf Magritte, etwa mit seinem verkehrt herum hängenden Vorhang oder mit seinem Filmstreifen mit einer brennenden Tuba, der als unausgesprochene Hommage an Magritte verstanden werden kann.

Copers suchte auch auf emotionaler Ebene nach Kontrasten wie Liebe versus Hass oder Leben versus Tod. Das erste Beispiel dafür ist das „Remake Swastika“ von 1969, ein mit Regenbogenfarben bemaltes Hakenkreuz, das sich um seine Achse dreht, sodass die Farben optisch in Weiß verschmelzen. Der Regenbogen ist das Ergebnis von Regen und Sonne (= Wasser & Feuer) und das Hakenkreuz ist in vielen alten Kulturen ein Sonnensymbol und daher sehr positiv. Das Zeichen behält seine Konnotation mit Nazismus, aber die Regenbogenfarben bringen es zu seiner ursprünglichen Bedeutung zurück, als ob es die Aggression, die es in unserer Zeit ausstrahlt, neutralisieren wollte.

Einen ähnlichen emotionalen Kurzschluss erzeugt die Golden Bullet mit Diamond Point von 1977. Die Form verweist auf den brutalen Tod, doch die Materialien symbolisieren Liebe und Treue. Ebenso die drei mehr als mannshohen 'Vasen', von denen die erste mit messerscharfen Kristallsplittern bedeckt ist, die mittlere mit stumpfen Kristallsplittern und die dritte mit bunten Seidenchrysanthemen, die Copers auf einem Friedhof gesammelt hat. Die erste Vase ist höchst unantastbar und stellt eine Gefahr dar, die zweite ist hart, aber glatt, die dritte nur weich, aber auf den Tod hinweisend. Oder er füllte zwei Karaffen mit Wein, wobei der Weißwein mit Belladonna, dem weiblichen Gift, und der rote mit Mandragora, dem männlichen Gift, vergiftet wurde.

Manchmal herrscht eine Atmosphäre von Bestrafung und Folter, wie in der Arbeit „KALON“, dem altgriechischen Wort für Schönheit. Die griechischen Buchstaben sind wie ein Brenneisen gestaltet und werden in einem Kessel erhitzt. Schönheit wird zur Marke. Außerdem ließ er scharfe Messer auf Halshöhe herumschwingen, und es sprühten Funken - ein Anblick, der den Betrachter nicht gerade beruhigte. Und oben auf dem Genter Museum der Schönen Künste flatterte ein schwarzes Banner mit einem weißen Totenkopf, als wäre das Museum von Piraten gekapert worden. Andere Arbeiten betonen pure Weichheit und Liebe, wie zum Beispiel regenbogenfarbene Flügel aus Taubenfedern oder ein String aus feststehenden Schmetterlingsflügeln. Copers zum Beispiel geht immer von Antipoden aus, die er gegeneinander spielt, mal ironisch oder schockierend, mal humorvoll oder melancholisch. Er knüpft gerne an alte Märchen an, in denen ähnliche Effekte auftreten: Der Prinz ist ein Frosch, die Kutsche ist ein Kürbis. Er wurde auch von mittelalterlichen Sagen, Ritterlichkeit und Piratengeschichten inspiriert. Sein „Unsichtbares Schwert“ ist ganz in Kristall gehalten und trotzig auf den Punkt gebracht, als ob es seine eigene Gebrechlichkeit betonen wollte.

In anderen Arbeiten beschäftigt sich Copers mit dem Mythos der Kunst und knüpft an Piero Manzoni und Marcel Broodthaers an. Er schrieb seine Unterschrift mit seinem eigenen Blut mit einem goldenen Stift und steckte sie in einen gepanzerten Rahmen hinter kugelsicherem Glas. Damit verbunden ist sein verschweißter Tresor, in dem sich das Echtheitszertifikat dieses Werkes befindet. 1981 malte Copers eine Leinwand mit einer Berglandschaft am Strand. Dem Gemälde liegt ein Farbfoto bei, auf dem er beim Malen in Badehose zu sehen ist. Auf diese Weise macht er das Gemälde zu einem konzeptuellen Werk: Nicht das Bild der Berge zählt, sondern die Vorstellung, dass sich der Geist des Künstlers in absoluter Freiheit über die Wahrnehmung des Augenblicks erheben kann. Umgekehrt malte er eine Seelandschaft in den Bergen, ebenfalls mit dazugehörigem Foto. Beide Werke tragen den Titel „Der blinde Seher malt ein Gemälde“. Als Blinder Seher ging er auch zu einem Museumsbesuch, trug einen weißen Stock und eine schwarze Brille.

2002 präsentierte Leo Copers sein VIPAG oder 'Volunte Individual Public Automatic Prison', einen Käfig mit Gittern, der im öffentlichen Raum aufgestellt werden sollte. Man kann in der Zelle Platz nehmen und das Gitter ins Schloss ziehen, als wollte man sich selbst eine Gefängnisstrafe auferlegen. Ist die Zelle belegt, leuchtet oben eine rote Lampe. In einem Interview nannte er die VIPAG seine Lieblingsarbeit: „Du gibst einen Euro ein. Du folgst den Anweisungen. Die Zellentür geht auf, du trittst ein, die Tür schließt und dann bist du fünf Minuten eingesperrt und man muss wieder warten. Es sind auch Überwachungskameras vorhanden, die mit dem Internet verbunden sind. Die Absicht ist, dass die Leute zu Hause von ihrem Computer aus überprüfen können, ob jemand im Gefängnis ist. Die VIPAG muss an einem Ort sein, an dem viele Menschen vorbeikommen. Wenn Leute in der VIPAG sind, bekennst du offen deine Schuld vor allen, weil dich alle sehen. Es passiert nicht im Verborgenen, weil es dann keinen Sinn macht."

2012 verwandelte er den Park hinter dem Genter SMAK in einen „Museumsfriedhof“, indem er Dutzende von Grabsteinen platzierte, auf denen die Namen und Logos der bekanntesten europäischen und amerikanischen Kunstmuseen zu lesen sind. Auf diese Weise verknüpft er die Museen, die die „ewige“ Kunst für immer bewahren sollen, mit Vergänglichkeit und Tod. Die Arbeit löste auch einige Kontroversen über die unsachgemäße Verwendung von Grabsteinen in einem Park aus.

Copers war unter anderem Künstler in Residenz in dem Museum der Schönen Künste zu Gent^[1]