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Arnold Schönberg (um 1948)

atonale Musik ist Musik ohne Fix Tonzentrum, Musik, die nicht fixiert ist Vorzeichen hat, was auch als bezeichnet wird Atonalität. Atonalität entsteht aus der historischen Emanzipation der widersprüchlich. In der atonalen Musik verschwinden die Konzepte Konsonant und widersprüchlich. Die radikalsten Vertreter der atonalen Musik produzieren am liebsten Klangcollagen.

Viel atonale Musik ist abstrakte Musik: eine Musikform, bei der außermusikalische Darbietungen, die beispielsweise auf dem reinen Material selbst basieren, gelten und in der tonal-musikalische Elemente (meist) nicht mehr vorkommen. Die Probleme bei der Aufführung atonaler Musik entstehen, weil der Interpret Musiker haben keinen Halt, weil sie keinen Bezug zu Referenzen haben Tonalität Erfahrung und sie haben das Gefühl, dass die Töne keine Beziehungen zueinander eingehen von der traditionelleren klassischen harmonisch und melodisch Traditionen.

Geschichte

Franz Liszt mit seinen späten Klavierstücken zum Beispiel Bagatelle ohne Tonalite von 1885 und Alexander Skrjabin berührten bereits die Atonalität. Der überwucherte Gebrauch von Chromatik in der Spätromantik oder wie bei Komponisten wie Max Reger hatte atonale Tendenzen. Auch die Verwendung von Bitonalität und Polytonalität, die Verwendung von zwei oder mehr Schlüssel führte gleichzeitig an die Grenze der Atonalität. Die erste Stufe, die in der Aufgabe der traditionellen Harmonie besteht, war auch freie Atonalität erwähnt. Arnold Schönberg versuchte ein Ordnungsprinzip innerhalb der atonalen Musik aufzubauen und entwickelte die Methode des of Komposition mit zwölf ausschließlich beteiligten Tönen (später als Zwölftontechnik oder besser Dodekaphonie bekannt), die er ab 1909 in der Drei Klavierstücke op. fünfzehn, und ab 1923 in einigen der Fünf Klavierstücke, op. 23 und in den meisten Teilen der Suite für Klavier op. 25 benutzt. Er und seine Schüler Anton Webern und Alban Berg - in seinen Opern Wozzeck, Lulu und in der Lyrische Suite - war der Meinung, dass das uralte Tonsystem, bei dem einige Töne immer wichtiger sind als andere, ausgedient hat und ein neues System geschaffen werden muss, bei dem alle Töne gleich wichtig sind.

Das Zwölftonprinzip an sich garantierte zunächst nicht unbedingt Atonalität, sondern nur eine weitgehend gleichmäßige Verteilung der zwölf temperierten Halbtöne innerhalb des kompositorischen Satzes. Je nach Struktur der Sequenz und der vertikalen Anordnung der Töne ist es möglich, Stücke in der Sequenztechnik zu komponieren, die als tonal „gefühlt“ werden. Die Zwölftontechnik wurde nach der Zweiter Weltkrieg in Verbindung mit Olivier Messiaen (Parametrierung) an die Serialität weiterentwickelt Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, Luciano Berio, Krzysztof Pendereckic, Milton Babbitt und dominierte in den fünfziger Jahren die Avantgarde der symphonischen Musik Europa. Neben Schönberg, Berg und Webern gab es weitere Komponisten, die atonale Musik schrieben, wie zum Beispiel Ernst Kzenek, Paul Hindemith, Igor Strawinsky, Bela Bartok, Josef Matthias Hauer (1883-1959), Aaron Copland, George Antheil, Elliott Carter, Witold Lutoslawski und viele andere.

Kontroverse um das Konzept selbst

Atonale Musik war und ist ein umstrittenes Konzept. Atonale Musik entstand in der Zeit des Verblassens der Tonarten im 20. Jahrhundert, aber der Begriff "atonale Musik" wurde von der as . geprägt Atonisten berühmte Komponisten nie geschätzt. Das Konzept wurde zunächst als polemischer Begriff von konservativen Musikkritikern auf Werke von Arnold Schönberg, besonders auf seiner Drei Klavierstücke op. 11 (1909). Sowohl Schönberg als auch Alban Berg (in seiner Radiosendung War es Atonal? von 1930) haben sich dagegen ausgesprochen.^[1]

ästhetische Debatte

In seinem 1949 veröffentlichten Werk Philosophie der Neuen Musik hält Theodor Adorno ein Plädoyer für Schönbergs atonale Kompositionsweise und kontrastiert diese mit dem neoklassischen Kompositionsstil, der als Rückbesinnung auf die mittlerweile überholte Kompositionstechnik gilt. Igor Strawinsky. Der Schritt zur Atonalität durch Schönberg um 1910 bedeutet für Adorno die Befreiung der Musik vom Tonalitätszwang und damit die ungehinderte Entfaltung des musikalischen Ausdrucks, der freie Atonalität mit der vollen Lebensdauer der Sounds beschäftigt. In derselben Veröffentlichung spricht er sich aber auch gegen die später von Schönberg entwickelte Zwölftontechnik aus, weil er darin die Gefahr des mechanischen Komponierens sah. Dazu gehört auch die Reaktion des alten Schönbergs, als ihm mitgeteilt wurde, dass sich seine Kompositionsmethode über die ganze Welt verbreitet habe: "Ja, aber sie machen auch Musik."

Wie jede künstlerische Revolution - die sich im Nachhinein eher als Evolution entpuppt - wurde auch das Mittel der Atonalität von "konservativen" Intellektuellen und Kritikern heftig angegriffen. Der Schaffner Ernest Ansermet zum Beispiel in seinem Buch Die Grundlagen der Musik im menschlichen Bewusstsein ab 1961 verweigerte die atonale Musik ihre Daseinsberechtigung völlig, weil in ihr eine sinnvolle musikalische Gestaltung aufgegeben wurde und der Wegfall einer sinnvollen Tonalität den Hörer an einer fundierten ästhetischen Beurteilung hindern würde. Die Erzeugung einer psychischen Resonanz beim Hörer durch atonale Musik würde nur eine Illusion von Bedeutung vermitteln. Carl Dahlhaus widerlegt in seinem Artikel 'Ansermets Polemik gegen Schönberg' in Neue Zeitschrift für Musik 1966 - Anerkennung von Ansermet als nicht wissenschaftlich.

Aus der Sicht des Komponisten

Die Darstellungen, die an die Stelle des eher tonalen musikalischen Interesses treten, sind teils musikalische Abstraktionen (zum Beispiel: Tonalität nicht als harmonische, sondern als statistische Relationen, Dissonanz nicht als Harmonie, sondern als Relation von Zahlen... aus der Astrologie) Phantasien. Das Bedürfnis, das die Komponisten bedienen wollen, ist nicht das Konsumieren von Klang, sondern das der Bedeutung. Atonale Musik kann als Beitrag zur Bedeutung verwendet werden. Die Komponisten, die Atonalität verwenden, handeln daher oft mit dem Gestus, dass ihre Musik eine verständliche Botschaft enthält. Unterstützt werden sie von jenen Musikwissenschaftlern, die Musik ausschließlich aus dem Material selbst heraus bearbeiten.

Auch die Kreativität der modern Der Künstler ist oft abstrakt: Das Neue erscheint als Wert an sich, getrennt von ästhetischen Facetten. Das Ideal der modernen Kunst wird oft zur Originalität. In diesem Ideal nehmen sich die Künstler persönlich ihre Lebensgrundlage in der Gesellschaft zu Herzen. Dabei geht es den Komponisten um ihre Besonderheit, beim Komponieren suchen sie nach ihrer Identität, fragen sich ihr Leben lang, wie sie sind und wie sie ihre innere Persönlichkeit dem Publikum vermitteln können. Sie schließen aus der spirituellen Herkunft der Kunstwerke, dass es um sie persönlich geht und die Musik ein Ausdruck des Künstlers ist. So wurde die abstrakte Identität oft zum Inhalt der Botschaft. Im Dienste dessen Material, die jeder nach seinen eigenen Wünschen interpretieren kann, auch ein Arbeitsbereich für abstrakte Freiheit.

Veröffentlichungen

• Bryan R. Simms: Die atonale Musik von Arnold Schönberg, 1908-1923, Oxford University Press, 2000. ISBN 0 19512826 5

Siehe auch

• Mikrotonale Musik
• aleatorisch