WikiDer > Глава VI - Википедия

Глава VI, 1949. 93,2 × 76,5 см (36,7 × 30,1 дюйма), Художественный совет коллекция, Галерея Хейворд, Лондон

Глава VI является картина маслом на холсте по рождению ирландцем фигуративный художник Френсис Бэкон, последняя из шести панелей, составляющих его серию «Голова 1949 года». Это показывает вид бюста одной фигуры, смоделированной Диего Веласкесс Портрет Иннокентия X. Бэкон применяет сильные, выразительные мазки кисти и помещает фигуру в структуру стеклянной клетки за драпировкой, похожей на занавеску.^[1] Это дает эффект человека, захваченного и задушенного окружающей средой, кричащего в безвоздушную пустоту.

Глава VI была первой из картин Бэкона, в которой упоминается Веласкес, чей портрет Папа Иннокентий X преследовал его на протяжении всей его карьеры и вдохновил его серию "кричащих пап",^[2] свободная серия, из которой около 45 сохранившихся отдельных работ.^[3] Глава VI содержит много мотивы которые должны были снова появиться в работах Бэкона. Подвесной объект, которым может быть выключатель света или кисточка для штор, можно найти даже на его поздних картинах. Геометрическая клетка - это мотив, который появляется уже в его шедевре 1985–86 годов. Этюд для автопортрета — Триптих.

Глава VI впервые была выставлена ​​в ноябре 1949 г. Ганноверская Галерея в Лондоне, на показе, организованном одним из первых чемпионов художника, Эрика Браузен.^[4] В то время Бэкон был весьма неоднозначным, но уважаемым художником, наиболее известным благодаря своей работе 1944 года. Три этюда для фигур у основания распятия, что сделало его ребенок ужасный британского искусства.^[5] Глава VI вызвал неоднозначную реакцию искусствоведов; Джон Рассел, позже биограф Бэкона, в то время отверг его как нечто среднее между «аллигатором, лишенным пасти, и бухгалтером в пенсне, который плохо кончил».^[6] В 1989 г. Лоуренс Гоуинг писали, что «шок от картины, когда ее увидели целым рядом голов ... был неописуем. Все было непростительно. Парадоксальное появление сразу стилизация и иконоборчество действительно был одним из самых оригинальных мазков Бэкона ".^[7] Искусствовед и куратор Дэвид Сильвестр описал его как основополагающую пьесу из необычайно плодотворного периода Бэкона 1949–1950 гг. и как одного из лучших пап Бэкона.^[8]

1949 Голова серии

Продукция Бэкона характеризуется последовательностями изображений. Он сказал Сильвестру, что его воображение стимулировалось последовательностями и что «образы порождают во мне другие образы».^[9] Его серии не всегда планировались или рисовались последовательно; иногда картины для удобства сгруппированы, но различаются исполнением и тоном.^[10] Идея серии голов пришла после того, как в конце 1948 года он вернулся без гроша в кармане. Танжер. В предыдущие три года он не мог обрести голос; последнее сохранившееся полотно этого периода - его Живопись (1946). Хотя он продолжал рисовать, он был безжалостным самокритиком, склонным к резанию полотен лезвиями, и с 1947 по зиму 1948 года не сохранилось ни одной работы.^[11] Галерист Эрика Браузен предложила Бэкон возможность провести персональную выставку на открытии ее новой галереи в Ганновере.^[12] Он согласился, но ему нечего было повесить.^[13] В последующие годы Браузен стал, пожалуй, самым важным из первых защитников Бэкона; она организовала этот показ - его дебютную персональную выставку - широко разрекламировала его и организовала просмотры для международных покупателей.^[14]

Бэкон, которому уже исполнилось 40 лет, рассматривал выставку как свой последний шанс и решительно взялся за дело. Поскольку он уничтожил всю свою продукцию за последние три года, у него не было другого выбора, кроме как представить новые работы.^[15] Когда он согласился на шоу, у него не было грандиозного плана, но в конце концов он нашел темы, которые его интересовали. Глава I предыдущего года и выполнили пять прогрессивно более сильных вариантов в последние недели перед ноябрьской выставкой,^[16][10] завершение сериала едва успевает к открытию.^[12]

Глава I, 1948. Первая в серии, на самом деле написана в 1948 году. На этой картине есть очертания плеч, но они свернуты. Как в Глава IIверхняя часть головы растворилась в пустоте.^[17]

Картины изображают изолированные фигуры, заключенные в неопределенные, чрезвычайно клаустрофобные, редуктивные и жуткие пространства. Находясь в начале карьеры Бэкона, они неодинаковы по качеству, но демонстрируют явный прогресс, особенно в том, как они используют и представляют идеи, которые он все еще явно разрабатывал и с которыми соглашался. Глава I (фактически началось зимой 1948 г.) и Глава II показать бесформенные куски плоти, которые в целом напоминают человеческие головы; у них полуоткрытые глаза и глотка, хотя он расположен намного выше, чем можно было бы ожидать от человека. Головы III, IV и V показать полностью сформированные бюсты, узнаваемые как мужские, и характеризуются атмосферой призраков.^[13] Эти две общие идеи объединяются в Глава VI, которое физиологически мучительно, как первые две картины, и столь же призрачно, как средние три. В Глава VI фигура развилась и теперь показана в облачения, первое указание в работе Бэкона на влияние Веласкес,^[18] в то время как в центре внимания был открытый рот и изучение человеческого крика.^[19]

Бэкон сказал, что случайность сыграла значительную роль в его творчестве, и что он часто подходил к холсту, не имея четкого представления о том, что может произойти. Это особенно характерно для середины и конца 1940-х годов, когда он много пил и большую часть ночей проводил в Сохо казино и покер-румы.^[20] На следующее утро он часто подходил к своему холсту «в плохом настроении от выпивки ... из-за сильного похмелья и выпивки; иногда я с трудом понимал, что делаю».^[21] Он включил в свою работу свой аппетит к случайностям: изображение часто превращалось на полпути во что-то совершенно отличное от того, что он планировал сначала. Он активно искал эту свободу и считал ее важным для своего творческого пути. Для него стиль жизни и искусство были переплетены; он сказал, что «возможно, этот напиток помог мне стать немного свободнее».^[21] Это очень очевидно в серии 1949 года, которая началась как довольно болезненное исследование обрушившейся головы, но эволюционировала на шести сохранившихся панелях в переработку шедевров Веласкеса и пришла к образу, который должен был волновать Бэкона в течение последующих 20 лет. .^[20]

Кадр из Эйзенштейнс Линкор Потемкин (1925). Бэкон описал этот кадр из немого фильма как ключевой катализатор своей работы.^[22]

Эта серия знаменует собой первую попытку Бэкона изобразить одинокие фигуры в комнатах. Для него ключевым аспектом было то, что, похоже, субъект чувствовал себя изолированным и незамеченным и отказался от необходимости показывать внешнее лицо. Он считал, что в этих обстоятельствах всякое притворство отпадает, и социальное существо становится суммой своих неврозов, которые Бэкон пытался передать, сводя субъект к его голым чертам: рту, ушам, глазам, челюсти. По словам Рассела, «вид спереди перестает быть единственным, и наш человек внезапно дрейфует, фрагментируется и подвергается странным мутациям».^[6] Рассел заметил, что, хотя изображение фигур в комнатах является обычным явлением для всех эпох живописи, фигуры всегда позируют и обычно, кажется, осознают, что их изображают. Это тщеславие отброшено в сериале Бэкона.^[6]

Глава I, завершено в конце 1948 г.,^[6] считается более успешным, чем Глава II. Хотя это хорошо оценено критиками, Глава II рассматривается как нечто творческое тупик, пока Головы III, IV и V обычно рассматриваются как промежуточные шаги к Голова VI.^[13] В творчестве Бэкона исключительным является то, что произведения относительно низкого качества сохранились; он был безжалостно самокритичен и часто резал или бросал холсты, прежде чем они были закончены. Когда в 1953 году Браузен снова настаивал на создании работ для шоу в Нью-Йорке, которое она рекламировала в течение года, он был полон сомнений и уничтожил большую часть того, над чем работал, в том числе несколько других пап.^[23]

Браузен заказал еще одну выставку в 1950 году, для которой Бэкон нарисовал трех больших пап по образцу портрета Веласкеса. Галерея рекламировала выставку как «Фрэнсис Бэкон: три этюда с картины Невинного». X by Velázquez ", но в конце концов Бэкон остался недоволен работами и уничтожил их еще до открытия выставки.^[24]

Описание

Веласкесс Портрет Иннокентия X, 1650. Хотя Бэкон избегал смотреть оригинал, это оставалась картина, которая больше всего поражала его, и та, на которую он ссылался снова и снова.^[25]

Фигура идентифицируется как Папа по его одежде.^[19] Он кажется замкнутым и изолированным в очертаниях абстрактной трехмерной стеклянной клетки. Это обрамление, описанное Сильвестром как «космическая рамка», широко использовалось на протяжении всей карьеры художника.^[26] Шнур свешивается с верхнего края стеклянной витрины, падает прямо перед лицом папы и частично закрывает ему глаза. Он слишком расплывчато нарисован, чтобы его можно было идентифицировать с уверенностью, но, учитывая присутствие подобных объектов в более поздних работах Бэкона, он может быть либо концом висящего выключателя света, либо кисточкой занавески; подвесной шнур должен был стать визитной карточкой художника.^[27] Помимо символического значения, он выполняет композиционную функцию, обрамляя картину еще одним набором вертикальных линий.^[28] Такой объект наиболее заметно снова появляется на центральной панели его картины 1973 года. Триптих, май – июнь 1973 г., где явно видна свисающая лампочка.^[29] Для Бэкона эти элементы были предназначены для того, чтобы заставить фигуру колебаться и исчезать из поля зрения зрителя, ссылаясь на тот факт, что лампочки могут быть включены или выключены, шторы открыты или закрыты.^[30]

Рот фигуры широко открыт, как будто она кричит, это выражение Бэкон взял из Все еще он продолжал кричать медсестры в Сергей Эйзенштейнс Одесская лестница резня в его немом фильме 1925 года Линкор Потемкин.^[22][31] В 1984 году телекомпания Мелвин Брэгг спросил Бэкона о перегонном кубе и заметил, что в начале своей карьеры художник, казалось, был озабочен физическим телом человеческого рта. Бэкон ответил: «Я всегда думал, что смогу сделать рот со всей красотой Моне пейзаж, хотя мне так и не удалось это сделать ». Когда Брэгг спросил, почему он думает, что он потерпел неудачу, Бэкон сказал:« Он должен быть намного более цветным, должен иметь больше внутренней части рта, со всеми цветами интерьера. изо рта, но я не получил его ".^[32] Его интерес к рту был дополнительно стимулирован медицинским учебником по больным ротовым полостям, купленным в магазине подержанных книг, который он держал в своей студии и на который он часто ссылался.^[33]

Стеклянная клетка может означать вакуум, из которого не может выйти голос фигуры; как будто кричит в тишине. Позднее в своей жизни Бэкон сказал, что он «хотел изобразить крик больше, чем ужас. Думаю, если бы я действительно подумал о том, что заставляет кого-то действительно кричать, это сделало бы крик ... более успешным».^[34] Работа вызывает воспоминания о Вторая мировая война. Стеклянный корпус его Чикаго 1949 года Этюд для портрета часто рассматривается как пророческие фотографии Адольф ЭйхманнДело 1961 года в Окружном суде Иерусалима, когда он содержался в такой же клетке.^[28] Однако Бэкон сильно сопротивлялся буквальным сравнениям и заявил, что использовал устройство для того, чтобы кадрировать и «по-настоящему видеть изображение - ни по какой другой причине. Я знаю, что это интерпретировалось как множество других вещей».^[28] Другие критики видели сходство между стеклянным шкафом и радиобудками телеведущих конца 1930-х годов, которые предупреждали о надвигающейся катастрофе. Денис Фарр отмечает, что Бэкон сочувствовал Джордж Оруэлл и в интервью упоминал оруэлловские «кричащие голоса ... и дрожащие руки ... передающие суровую атмосферу допроса».^[35]

Влияния

Так называемый «космический фрейм» уже использовался Альберто Джакометти в 1930-х годах, а в 1960-х художники подружились. Однако к 1949 году Джакометти использовал его только в сюрреалист контекстах до адаптации Бэкона и, в свою очередь, повлияли на его использование в Клетка 1950 г.^[26] Аналогичная двумерная конструкция находится в Генри Мурработы, особенно его макет за Король и королева, построенный через три года после Бэкона Голова. Трудно понять, как эти художники влияли и информировали друг друга. Примечательно то, что Бэкон продолжал использовать этот мотив с перерывами до конца своей жизни. Сильвестр предлагает своим лучшим примером 1970-е годы. Три исследования мужской спины.^[26]

Эдгар Дега, После ванны женщина вытирается, 1884

Полноразмерные складки, похожие на золотые занавески, нарисованные жирными мазками кисти, частично обусловлены Дега но также похож на Тициан1558 год Портрет кардинала Филиппо Арчинто.^[33][36] Бэкон адаптирует Старый мастерустройство для изоляции и удаления сидящего от зрителя;^[29] черная грунтовка видна сквозь складки, делая разделение еще более заметным. Бэкон уже использовал подобные формы в своей панели в Чикаго, и они должны были стать характерной чертой его самых известных работ 1950-х годов, особенно в его «вопящих папах».^[37] Он был очарован вуалью или занавесом как мотивом в живописи, и собрал множество репродукций работ Тициана и Дега, в которых они используются.^[38] Он начал свою карьеру в качестве декоратора интерьеров и проектировщика мебели и ковров в середине 1930-х годов, а позже сказал, что ему нравились «комнаты, развешанные по периметру, с простыми шторами, развешанными ровными складками».^[39] Фаты или занавески появляются в самых ранних работах Бэкона, особенно в 1949 году. Исследование человеческого тела, всегда на портретах и ​​всегда впереди, а не позади фигуры.^[38]

Глава VI близко смоделирован на c. Веласкеса. 1650 Портрет Иннокентия X,^[40] сегодня в Галерея Дориа Памфили, Рим. Бэкон осторожно избегал смотреть оригинал, даже когда он провел три месяца в Риме в 1954 году. Критики предполагают, что он боялся разочарования или думал, что глубокое знание картины притупит его воображение. Тем не менее, его восхищение было всепоглощающим, и он одержимо воспроизводил его варианты в течение почти двух десятилетий - экзамен и дань уважения, которые описываются как «не имеющие аналогов в истории искусства».^[41] Подход Бэкона отличается от подхода Веласкеса во многих отношениях: оба художника были выразительными, но широкие мазки Бэкона и свобода с краской контрастировали с жесткой и контролируемой обработкой Веласкеса.^[41] Он адаптирует расположение Папы Веласкеса, чтобы поставить его над точкой зрения зрителя, возвышая и отдаляя его. Это уже было обычным приемом в коммерческой, рекламной фотографии, но в руках Бэкона, как утверждает историк искусства Вейланд Шмид, этот ракурс помещает Папу Римского на своего рода сцену, на которую зритель может холодно наблюдать.^[33]

Хотя Бэкон уважал портрет Веласкеса, он не пытался воспроизвести более раннюю картину. В интервью он сказал, что видит недостатки в работе Веласкеса и считает эту социальную структуру и порядок, по словам Шмида, «устаревшими и пришедшими в упадок».^[42] Подход Бэкона заключался в том, чтобы возвысить свой предмет, чтобы он мог снова сбить его с ног, тем самым сделав хитрый комментарий по поводу обращения с королевской семьей как в Старом Мастере, так и в современный картина.^[42] И все же влияние Веласкеса проявляется во многих аспектах картины. Поза натурщика полностью перекликается с оригиналом, равно как и его фиолетово-белый цвет. справиться,^[4] который создается широкими, толстыми мазками. Влияние также можно увидеть в золотых орнаментах на спинке сиденья, которые простираются по обеим сторонам фигуры. Историк искусства Армин Цвайте описывает работу как смесь почтения и подрывной деятельности, которая отдает дань уважения Веласкесу и в то же время деконструирует его картину.^[4]

Сильвестр обнаруживает влияние поздних работ Тициана в других аспектах, особенно в глубоких и богатых красках, а также в изображениях Веласкеса. Филипп IV, Такие как Портрет Филиппа IV во Фраге, и соглашается с отождествлением пастелей Дега как источника. Он считает, что Бэкон позаимствовал у Дега использование параллельных тяжелых складок, чтобы создать иллюзию того, что Дега описал как «опалубку».^[43] как видно из более ранних работ художника После ванны женщина вытирается.^[44] Сильвестр устанавливает еще одну прямую связь между складками и прозрачной вуалью у Тициана. Портрет кардинала Филиппо Арчинто. Он считает, что складки служат для того, чтобы «оттолкнуть зрителя назад», создавая расстояние от объекта, эффект, который он считает подобным разделению между оркестром и сеттингом;^[45] другие считают, что складки больше напоминают решетку тюрьмы.^[39] Сильвестр описывает их как акцентирование фоновых вертикалей полосами, которые выглядят так, как будто они проходят через сидящего. В своей серии книг «Интервью с Фрэнсисом Бэконом» он спросил Бэкона, почему он обнаружил такой резкий эффект. Художник ответил: «Ну, это значит, что ощущение не исходит прямо на вас, а медленно и мягко проходит через промежутки».^[45]

Когда его спросили, почему он был вынужден так часто посещать Веласкеса, Бэкон ответил, что не имеет ничего против пап. как таковой, но просто искали "предлог использовать эти цвета, и вы не можете придать обычной одежде фиолетовый цвет, не попав в своего рода фальшивую фов манера. "^[46] Шмид видит Голова VI как реакция на Веласкеса и комментарий о том, что папство «устарело и пришло в упадок», когда Папа сопротивляется как модернизации, так и секуляризации. Ему кажется, что фигура «сопротивляется жестокому обращению с имиджем и пытается остановить надвигающийся крах установленного рабочего порядка. Он кричит и гримасничает, сжимая руки своего трона».^[42] Сильвестр отмечает, что Бэкон был впечатлен Пикассорисунок и обращение с краской, особенно в произведениях Пикассо 1930-х годов; и предполагает, что белые пятна вокруг плаща папы могут быть вызваны влиянием эпохи 1913 года. Женщина в слипе, сидящая в кресле.^[47]

• 

  Рафаэль, Портрет Папы Юлия II, 1511–12

• 

  Тициан, Портрет Папы Павла III, 1543

• 

  Тициан, Портрет Папы Павла III, 1545–46

• 

  Тициан, Портрет кардинала Филиппо Арчинто, 1558

Критический прием

Когда Бэкон начал серию в конце 1948 года, он был чем-то вроде чудо с двумя хитами. Он добился успеха в 1944 году с Три этюда для фигур у основания распятия и в меньшей степени с Живопись (1946), оба из которых были высоко оценены, но рассматривались как сенсационные.^[48] Выставка имела успех и ознаменовала его решающий прорыв. До этого он пользовался большим уважением, но лишь изредка мог проявлять блестящие способности.^[14] Хотя некоторые находили его изображения ужасающими и нервирующими, они все же писали о нем, закрепляя его репутацию ребенок ужасный послевоенного британского искусства. Критик за Наблюдатель написал: «Недавние картины ... какими бы ужасными они ни были, их нельзя игнорировать. Технически они превосходны, и мастерская обработка больших участков жемчужно-серого цвета, внезапно вспыхнувшего розовым или зеленым, заставляет меня сожалеть еще больше о том, что дар художника надо было донести до столь эзотерических предметов ».^[49]

Большинство критиков сосредоточили свое внимание на Глава I и Глава VI, положительно отметив прогресс между ними. В то время как некоторым не нравилось присущее картинам насилие, Браузен был опытным публицистом и превратил плохую прессу в известность и привлек внимание всей страны к работе Бэкона. Пеппиат отмечает, что выставка показала, что Бэкон больше не нуждался в сенсационном материале, чтобы произвести впечатление, и теперь он был способен вызвать интенсивный эмоциональный отклик более тонкими средствами и нашел способ представить состояние человека так, как он искал, путем представляя своего сидящего «в рудиментарной обстановке, в клетке или [за] раздвинутой занавеской ... остальное, самое важное, заключалось в манипуляциях с бесконечно внушающей средой масляной краски».^[48] После показа Бэкон постепенно стал «не столько аутсайдером, который изредка демонстрировал ужасающее великолепие, сколько силой, с которой нужно считаться на современной сцене». Его репутация и ценность его панелей резко выросли, и после показа он стал востребован европейскими, американскими и африканскими коллекционерами и галереями, предлагая цены до 400 фунтов стерлингов за отдельные работы, что было необычно для современного британского художника того времени.^[14]

Происхождение

Глава VI была впервые выставлена ​​в Ганноверской галерее в Лондоне в 1949 году. Она была приобретена Художественным советом. Галерея Хейворд в 1952 г.^[50] С тех пор Hayward несколько раз сдавал его в аренду, в том числе для крупных ретроспектив в Гранд Пале, Париж, 1971 г., и Галерея Хью Лейн, Дублин, 2000 г.^[18]

В мае 1996 г. Национальная галерея взял в аренду Innocent Веласкеса X и повесил его рядом с четырьмя картинами Бэкона; Голова VI, Папа я (1951), Папа 1961 и Папа 1965. Пеппиат считает, что Бэкон не одобрил бы такой показ с работой, которую он считал одной из лучших когда-либо написанных, но пишет, что две, в том числе Голова VI, «противостоял ему и даже повысил его авторитет как одно из самых глубоких исследований человеческой природы и человеческих сил».^[51]

Рекомендации

Примечания

Источники

дальнейшее чтение

• Гоуинг, Лоуренс. Фрэнсис Бэкон: человеческое присутствие (каталог выставки). Вашингтон, округ Колумбия: Музей и сад скульптур Хиршхорна, Смитсоновский институт, 1989 г.