WikiDer > Geer van Velde

Geer van Velde
Poste hier dein selbstgemachtes Foto
persönliche Daten
Vollständiger Name	Gerhard von Velde
Geboren	5. April1898
Verstorben	5. März1977
Geburtsland	Die Niederlande
Staatsangehörigkeit	Niederländisch
Beruf(e)	Maler - AquarellistZeichner
Leitdaten
aktive Jahre	c. 1916-1977
Stil(e)	figurative Kunst / abstrakte Kunst
RKD-Profil
Portal    Kunstkultur

Gerardus van Velde (Geer) (Lisse, 5. April1898 - Cachan, Val-de-Marne (Vorort von Paris), Frankreich, 5. März1977) war ein NiederländischMaler und Aquarell Liste^[1].

Jugend und Start

Gerard van Velde wurde 1898 in Lisse als zweiter Sohn in einer armen Familie mit fünf Kindern geboren. Eine jüngere Schwester war der spätere Schriftsteller Jacoba van Velde (1902-1985). Sein älterer Bruder bram wurde später auch Maler, genau wie Geer, wie er sich später nannte. Als Gelegenheitsarbeiter wechselte der Vater häufig den Beruf, so dass die Familie immer wieder innerhalb der Region Den Haag / Leiden umzog; tatsächlich führte er ein Nomadendasein und war häufig von zu Hause weg. 1911 verließ der Vater die Familie endgültig und zog nach Antwerpen.
In seiner Kindheit streifte Gerard viel mit seinem Bruder Bram am Rande von Den Haag umher und zeichnete die dortigen Wiesen; sie zeichneten auch Mühlen und Bauernhöfe.

Auch er musste nach der Grundschule Geld für die Familie beisteuern und wurde als Lehrling im Maler- und Dekorationsatelier „Van Schaijk en Co.“ angestellt, in dem sein älterer Bruder Bram seit mehr als zwei Jahren arbeitete. Ihr Arbeitgeber war Eduard Kramer, der das Geschäft weiterführte und sich auch sehr für Kunst interessierte; er regte mehrere seiner Diener an, ihr zeichnerisches Talent zu entwickeln. Außerdem wurden in der Firma auch Gemälde alter Meister restauriert und er ließ die beiden Jungen unter anderem in ruhigen Wintertagen Kopien davon anfertigen. Beide lernten das Komponieren von Farben und den Umgang mit Pinsel und Pinsel, malten aber auch Landschaften oder Blumenstillleben auf Lampenschirmen und Hutschachteln für Frauen. Gerard malte eine Darstellung einer Hirschkuh mit zwei kleinen Hunden zwischen den Bäumen vor dem Haus seines Chefs. Er hat ähnliche Dekorationen dafür gemacht Katzenhaus in Den Haag und einigen anderen Herrenhäusern dort.
Die Werke alter Meister inspirierten ihn; insbesondere die Atmosphäre und das Licht in den Stillleben von heda und Pieter Claesz. faszinierte ihn, was er dann in Den Haag sah und malte Mauritshuis. Kurz darauf wurde es Impressionismus des Die Haager Schule in seinem Werk manchmal erkennbar, aber es sprach noch deutlicher Symbolismus von a Jan Toorop ihn sehr, der darauf abzielte, eine sichtbare Beziehung zwischen dem Zeitlichen und dem Ewigen herzustellen. Ein Titel seiner Zeichnung aus diesen Jahren Mädchen mit Tod am Fenster illustriert diesen Wunsch Gerards gut, der sein späteres Werk, insbesondere in der Behandlung des Lichts, deutlich beeinflussen sollte. Anfang 1925 – nach einem halben Jahr Reisen und Malen durch Belgien – landete er in Paris, wo er zeitweise bei seinem älteren Bruder Bram einzog, der zwischenzeitlich dort mit einem deutschen Maler aus der lived Wagenkraut-Kolonie, Lilly Kloker.^[2]

Leben und Arbeiten

Pariser Jahre

Kurz nach seiner Ankunft in Paris besuchten Geer (wie er sich selbst nannte) und sein Bruder Bram die 'Ausstellung Internationale des arts decoratifs', davon unter anderem etwas abstrakte Gemälde Le Corbusier, Fernand Leger und Robert Delaunay Und sein Frau Sonja das hat sie beide beeindruckt. Im Oktober 1926 fand er ein eigenes Zimmer in einem Vorort von Paris und wurde wie sein Bruder Bram von ihrem ehemaligen Chef Kramer-Senior finanziell unterstützt, was es ihm ermöglichte, mit dem teureren Öl auf Leinwand statt mit Aquarell zu malen auf Papier. Carel Willink besuchte die beiden Brüder Van Velde und war von ihrer Arbeit begeistert; er vermittelte, dass beide auf der halbjährlichen Mitgliederausstellung ofttoonstelling ausstellen durften Die Unabhängigen in Amsterdam, der von Willink bald positive Beiträge erhielt.^[2]

Später im Jahr 1926 besuchten die beiden Brüder aus Paris Chartres; sie reisten zu Fuß. Vor allem bei Geer, der Architektur und der Lichtwirkung im frühgotische Kathedrale viel Eindruck; beide skizzierten verschiedene Studien des Doms auf Papier und malten sie später auf Leinwand. Die Kathedrale sollte auch in späteren Jahren eine starke Inspiration für Geer sein.^[3]

In einem Brief vom 9. Februar 1927 beschrieb Geer dem Mäzen Kramer senior, was er als Maler erreichen wollte:

.Das Leben in seinem Ursprung fühlen.. ..in höchster Einfachheit zum Gefühl vordringen.. ..[beschreibt seinen Malerbruder als jemanden, der:] ..den Dingen den natürlichen Ursprung nimmt, ohne dass Materie eindringt .^[2]

Obwohl Bram mehr Wert auf direkte Spontaneität legte und Geer mehr auf das Natürliche und Wesentliche in den Dingen, ist es in dieser Phase schwierig, den Unterschied zwischen den Werken der beiden Brüder zu erkennen; beide Maler ließen die Realität noch nicht los. In einem Brief an Mäzen Kramer vom April 1930 beschrieb Geer die gegenseitige Beziehung zwischen ihm und Bram:

..wir haben hier [Paris] fünf Jahre lang zusammengearbeitet und uns gegenseitig tatkräftig unterstützt; es ist dann neugierig zu sehen, wie sich jeder auf seiner eigenen inneren basis entwickelt hat. Obwohl wir sehr unterschiedlich sind, stehen wir Seite an Seite mit allem, was an innerer Stärke ist und Freude macht.^[3]

1930-31 waren die Bedingungen für Geer katastrophal. Im Mai 1931 wurde er wegen erheblicher Mietschulden aus seinem Zimmer am Place d'Italie vertrieben und hatte dann nur noch ein unbeheiztes Atelier zum Übernachten. Er lebte viel auf der Straße zwischen den clochards und oft im Café Le Dôme zu finden, das in Paris vor allem ein Treffpunkt für deutschsprachige Künstler war; diesen Ort gab er seinem Gönner Kramers als Postanschrift an. Später blieb er sechs Monate bei seiner ältesten Schwester Cor in Den Haag. Da sein Bruder nach Mallorca ging, konnte er sein Zimmer in Paris übernehmen; Bram hatte die Miete für sechs Monate im Voraus bezahlt. Dann begnügte er sich mit einer feuchten alten Scheune als Wohnsitz.^[3]

1931 lernte er in Montparnasse seine spätere Frau kennen, die Modeschöpferin Elisabeth Jokl (Lisl); sie würden 1936 heiraten. Aus der gleichen Zeit lernte er mehrere andere Künstler in Paris wie de such KubistenMetzinger und Gleizes, aber auch der spanische Maler Ismael de la Serna und der irische Schriftsteller Samuel Beckett, mit dem er sich angefreundet hat. De la Serna malte architektonische Kompositionen, in denen das Objekt in eine unwirkliche Welt geführt wurde. Eindeutig inspiriert von dieser Transformation – indem Objekte in eine höhere Realität gebracht werden – begann dieses Streben ab 1936 in Geers eigenen Werken deutlicher Gestalt anzunehmen. Von 1933 bis 1936 wohnte er im l'Hotel des Terrasses, wo er und seine Frau den Künstler Hans Reichel kennenlernten, der Kandinsky aber vor allem von Paul Klee sehr geschätzt. Er drückte ihren Einfluss so aus: 'Malen Sie nicht die Objekte, sondern das, was sie in uns hervorrufen... ..durchdringen Sie das Geheimnis im Herzen der Phänomene.' Diese Worte finden sich in Geers Werk wieder, in der lockeren Bewegung, mit der seine Linien jetzt die Farbe umgeben und der Fantasie viele weitere Möglichkeiten eröffnen, auch in seiner Komposition von 1938-39 (Sammlung Haags Gemeentemuseum).^[3]

Darüber hinaus lernte er in diesen Jahren auch verschiedene Kunsthändler und Sammler kennen, wie den niederländischen Sammler moderner Kunst P.A. Regnault, der von seiner Arbeit sehr beeindruckt war und beschloss, zwei Gemälde zu kaufen; Außerdem veröffentlichte Regnault in seiner Zeitschrift „Paint and Art“ einen Artikel über Van Velde. 1938 erhielt Geer dank seines Freundes Samuel Beckett das Angebot, in der Galerie von auszustellen Peggy Guggenheim in London; es wurde seine erste Einzelausstellung mit 45 seiner Werke.^[4]. Trotz der Bemühungen von Beckett, der die Ausstellung mit seinen Texten begleitete, ist es nicht möglich, der Kunstwelt klar zu machen, dass Geer eine eigene Position innerhalb der Kunst jener Jahre hatte; die meisten Rezensenten sahen seine Arbeit weiterhin als Fortsetzung innerhalb der Kubismus und als Nachahmung von Picasso. Auch umsatzmäßig brachte die Ausstellung wenig; nur wenige seiner Werke wurden von Peggy Guggenheim selbst auf Ratenbasis gekauft. Trotzdem blickten Geer und Beckett zufrieden auf die Ausstellung zurück.^[3]

Südfrankreich

Ab 1938 erfuhr sein Werk einen radikalen Wandel. In diesem Jahr ließ er sich in Südfrankreich Zuid . nieder Cagnes-sur-Mer, wo er begann, eine eigene abstrakt-geometrische Bildsprache zu entwickeln, die sich stark auf den Ausdruck von Licht konzentrierte. Die hier entstandenen Arbeiten zeigen einen zurückhaltenden Umgang mit Farbe, in matte Töne gesetzt. Er überführte die beobachteten Formen, das Licht und den umgebenden Raum, in ein ausgewogenes Spiel aus Linien und – überwiegend – geometrischen Flächen, die in zarten, subtilen Farbkombinationen abgesetzt sind.^[5] Als er zum ersten Mal in Cagnes ankam, schrieb er bereits in einem Brief an seinen Käufer Regnault: ..aus meinem Atelierfenster direkt vor Orangenzitronen und Olivenbäumen sehe ich ein Stück Blau des Meeres und einige gute Leinwände müssen hier entstehen können. Später erklärte seine Schwester Elisabeth, er sei für die „Blauen“ in den Süden abgereist. Nun entstanden die Werke mit ihren auffallend geordneten und ausgewogenen Farbflächen, in denen dem Licht eine so wichtige Rolle zugemessen wurde.^[4] Im Laufe der Jahre verschwand die Figuration aus seiner Arbeit und er konzentrierte sich immer mehr darauf, ein Gleichgewicht innerhalb der Komposition zu erreichen. Seine Bilder entstanden meist nach langer Vorbereitungszeit, und selbst dann kamen sie nur heraus, wenn er das Arrangement für ausgewogen genug hielt.^[5]

Um 1939-40 malte Geer eine abstrakte Komposition auf Leinwand, die er selbst als sein „erstes vollautonomes Werk“ bezeichnen würde, also frei von Einflüssen aus der ihn umgebenden Welt. Das 33 x 45 cm große Gemälde wurde großformatig aufgebaut, aufgeteilt in vier lange Streifen, in gedeckten Grün- und Blautönen. Später argumentierte er, dass er sich mit dieser Arbeit völlig von dem, was er selbst als die tragische und vulgäre Seite seiner eigenen Jugendarbeit betrachtete, gelöst habe.^[6] Nach 1942 wurden die Bedingungen für Geer und seine Frau sehr schlimm, da die deutschen Truppen auch Südfrankreich besetzt hatten; seine Frau Lisl war Jüdin und er selbst musste sehr aufpassen, nicht bemerkt zu werden. Dennoch waren die Jahre ab 1938 von entscheidender Bedeutung für seine Stilentwicklung und seine Arbeitsweise. Er übte verschiedene Techniken und arbeitete mit Bleistift, Kohle, Kreide, Tusche, Aquarell und Gouache auf verschiedenen Trägern wie Papier, Karton, zerknittertem Papier, druckte aber auch Monotypien und Lithographien. All dies brachte ihm ein Studium ein, das er als Ausgangspunkt für die Malerei auf Leinwand nutzte.^[2]

1942 gelang es ihm, eine kleine Ausstellung in einer Galerie in Nizza zu bekommen. Dort lernte er Aimé Maeght kennen, der anschließend eine Galerie in Cannes leitete. Dieser Kontakt wäre ihm für späteren Ruhm und Verkauf sehr wichtig. Außerdem lernte Geer den bekannten Künstler durch Maeght Pierre Bonnard Bekannter, der Geers Arbeit lobte; Daraus entstand eine langjährige Freundschaft, die nach dem Krieg in Paris fortgeführt wurde.^[3]

Malen mit Licht

Van Velde fand seinen eigenen und eher indirekten Weg, eine Skizze auf die Leinwand zu übertragen, was dazu führte, dass er sehr lange an dem Gemälde arbeiten musste. Die Leinwand wurde von ihm zunächst in mehreren Schichten mit verschiedenen Materialien sorgfältig präpariert und dann auf ein Holzbrett aufgezogen, woraufhin eine neue Schicht Zinkweiß aufgetragen wurde. Erst dann wurde die Zusammensetzung mit Holzkohle in Linien ausgelegt, die sich dann mit dem Zinkweiß zu vermischen begann – woraufhin das Öl mit Zeitungspapier aus der resultierenden Deckschicht extrahiert wurde. So blieben die Linien auf der noch weißen Leinwand wahrnehmbar; erst dann begann er, die farben und oberflächen in ölfarbe in mattem glanz aufzutragen. Beim Lackieren wurde eine vorhandene Ölfarbenschicht nach dem Trocknen mit Bimsstein kontinuierlich abgeschliffen und anschließend wieder übermalt. Bis schließlich die „Eroberung“, wie Geer selbst seine Beherrschung des Ganzen nannte, erreicht war. Das Ergebnis war, dass die Farbhaut des entstandenen Gemäldes das Licht nicht direkt reflektierte, sondern zuerst absorbierte, wodurch für das Auge verschiedenste Farbintensitäten entstehen. Das strahlende Licht des Gemäldes war für ihn ein so wesentliches Element, dass er die Leinwand während des Malens immer wieder drehte, um die verschiedenen Lichtarten zu studieren und zu wiegen.^[2]

Wieder Paris

Im Frühjahr 1944 verließen Geer und seine Frau Lisl Cagnes; sie kamen im Herbst im befreiten Paris an, wo er seinen Bruder traf bram unter entsetzlichen Bedingungen gefunden; er hatte den ganzen Krieg in Paris verbracht, in großer Isolation. Kurz darauf präsentierte Geer dem Galeristen Maeght die Arbeiten seines Bruders Bram, was zu seiner allerersten Einzelausstellung in der Galerie M.A.I. in Paris. Geer suchte auch seinen Bruder Samuel Beckett wieder auf und bat ihn, einen Text über seinen Bruder zu schreiben, der im Winter 1945 in der Zeitschrift 'Cahiers d'Art' unter dem Titel 'Das Gemälde der Van Velde's Welt und die Hosen“.^[3] Beckett bezeichnete Geers Arbeit als „extrem zurückhaltend“, in der sich das Objekt in seiner Erscheinung auf dem Raum um ihn herum zeigt. In einem Text aus dem Jahr 1948 erklärte er radikal, dass sich Bram auf sein eigenes Inneres konzentrierte, Bruder Geer sich jedoch mit der Außenwelt beschäftigte.^[3]

1945 fand Geer in Cachan, Val-de-Marne (Vorort von Paris) ein kleines, aber schön gelegenes Atelierhaus mit schönem Blick über ein tiefes Tal, von außen strömte das Licht frei in das Atelier. Hier erlebte er eine sehr produktive Zeit und nutzte seine Erfahrungen mit dem violetten, transparenten Licht der südfranzösischen Küste voll aus. Die in seinem Werk verwendeten Motive wurden nun noch vereinfacht, blieben aber einigermaßen erkennbar. Die geometrische Organisation wurde ausgeprägter, was zu Kompositionen führte, die nur in horizontalen und vertikalen Ebenen aufgebaut waren. Das Wort „Komposition“ taucht nun auch regelmäßig in den Titeln auf. In diesen Jahren fertigte er oft zwei Versionen desselben Motivs in unterschiedlichen Größen an, was seinen investigativen Charakter verdeutlicht.^[2] Die Objekte sind nur zu einer Gelegenheit geworden, den Raum des Lichts, das zwischen den Dingen hängt, zu untersuchen und darzustellen. Geer selbst hat es so formuliert:

..das Wesentliche ist nicht irgendein Objekt, sondern der Raum dazwischen. Das unterscheidet sich stark von ihrer Größe oder ihrer Perspektive. Wenn man einen Stein betrachtet, sieht man eine seiner Seiten..doch der Stein atmet und könnte ohne Raum nicht existieren.. .Die Objekte sind Masken und dahinter liegt das ganze Rascheln der Kanten [des Objekts].. . Die Dinge sind Fallstricke für das Licht; Es gibt niemanden, der das Licht nicht hereinlässt, selbst in den undurchsichtigsten Dingen ist Licht Ziel der Malerei, so Erik Slagter, war es, das Elementare neu zu entdecken, zu sehen, wie Licht die Dinge sanft berührt und wie die Welt selbst nur ein Vorwand für das Licht ist.^[3]

Wachsende Anerkennung

Im September 1948 erschien in der „Kroniek van Kunst en Kultuur“ ein kurzer Artikel über beide Brüder, woraufhin die beiden Brüder eingeladen wurden, mit je fünf Werken an der Ausstellung zeitgenössischer Künstler aus Den Haag im dortigen Gemeentemuseum teilzunehmen; beide bekamen ein separates Zimmer. Kurz darauf kaufte das Museum ein Werk von Geer und erhielt eines vom Künstler. Auch andere Museen interessierten sich für seine Arbeit; Willem Sandberg besuchte sein Atelier und 1953 nahm seine Arbeit an einer Ausstellung über zeitgenössische Pariser Kunst in den Museen von Amsterdam und Eindhoven teil.Für die niederländische Kunstwelt war es schwierig, mit Werken voller abstrakter, unbetitelter Kompositionen umzugehen. Auch Sandberg musste 1961 zugeben, dass er es war "Es brauchte viel Mühe, bis ich verstehen konnte, was sie [die Werke von Geer] sagten, bevor ich die Botschaft dieser stummen Leinwände spüren konnte." ^[7]

Im November 1952 bot sich ihm die letzte Gelegenheit bei einer Ausstellung in der Galerie Maeght in Paris. Diese Ausstellung hatte jedoch erneut keinen finanziellen Erfolg, so dass Maeght beschloss, die Verbindung zu Geer und Bram zu trennen. Geer fand leicht neue Verbindungen in Paris und in Den Haag. Zwischen 1950 und 1960 wurden seine Arbeiten in verschiedenen Ausstellungen weltweit gezeigt: in südamerikanischen Städten, in Schweden, Wien, auf der Menton Biennale (1951), London, USA, Lausanne und Bern. 1963 nahm er an der Biennale von Sao Paulo und Rio de Janeiro teil.^[3]

Letzten Jahren

Im Pariser Vorort Cachan zog sich Geer immer mehr in sein Haus und Atelier zurück – nach Paris selbst kam er kaum noch. Auch der Kontakt zwischen den beiden Malerbrüdern wurde viel seltener; sie schienen sich wenig zu sagen zu haben. Für Geer spielte zeitgenössische Kunst in seinem eigenen Werk kaum eine Rolle; er ging seinen eigenen Weg, aber immer noch in Bezug auf die Umgebung, in der er lebte. 1958 in der Bretagne zum Beispiel war er anfällig für das nördliche graublaue Licht; dann färbte ein warmes Mittelmeerblau seine Palette an die Kunst Südfrankreichs. Die Formen in seinen Bildern wurden straffer, platziert in einer ausgewogenen Architektur, in der sie nur mit dünnen Linien markiert waren. Die räumliche Abstraktion wuchs, eine reine Balance in der Gesamtkomposition zu finden blieb seine Hauptausrichtung. Dabei führte er Variationen ein, indem er sich von realen Formen inspirieren ließ: ein Segelboot, ein Salzfeld, ein Kai; auf diese Weise verhinderte er eine zu stark durchgearbeitete Struktur seiner Leinwände.

nach C. 1966 herrschte das Licht in seiner Arbeit; es kommt jetzt nicht mehr aus den Dingen an die Oberfläche, sondern es fällt darauf. Laut seinem späteren Freund, dem niederländischen Maler Piet Moget, es waren die damaligen Raumflüge der Russen Sputniks die einen großen Eindruck auf Van Velde gemacht hatten. Die Malereien dieser Jahre zeigten mehr Monumentalität, mit großen Flächen, die manchmal zerlumpt verlaufen und die Dynamik verstärken. Der Rhythmus ist schwebend und treibend geworden und treibt die Felder in konzentrischen Kreisen an. Die Abstraktion war nun abgeschlossen.^[8] Am 5. März 1977 starb Geer in Cachan; es dauerte mehrere Jahre, bis in Den Haag eine große Retrospektive seines Schaffens folgte.^[3]