WikiDer > Музыка

Музыка
Аллегория музыки, к Франсуа Буше, 1764
Середина	звук, тишина, время
Типы	жанры
Исходная культура	разные
Начало эпохи	Палеолит эра

Музыка является художественная форма, а культурный деятельность, чья средний звук. Общий определения музыки включать общие элементы, такие как подача (который управляет мелодия и гармония), ритм (и связанные с ним концепции темп, метр, и артикуляция), динамика (громкость и мягкость), а также звуковые качества тембр и текстура (которые иногда называют «цветом» музыкального звука). Разные стили или типы музыки может подчеркивать, преуменьшать или опускать некоторые из этих элементов. Музыка исполняется с широким диапазоном инструменты и вокальные техники от пение к рэп; есть только инструментальные произведения, исключительно вокальные пьесы (например, песни без инструментальной сопровождение) и произведения, сочетающие пение и инструменты. Слово происходит от Греческий μουσική (мышь; "искусство Музы").^[1]Видеть глоссарий музыкальной терминологии.

В самом общем виде деятельность, описывающая музыку как вид искусства или культурный деятельность включает создание музыкальных произведений (песни, мелодии, симфониии т. д.) критика музыки, то изучение истории музыки, а эстетическая экспертиза музыки. Древнегреческий и Индийские философы определил музыку в двух частях: мелодии, как тона, упорядоченные по горизонтали, и гармонии, как тоны, упорядоченные по вертикали. Распространенные высказывания, такие как " гармония сфер"и" это музыка для моих ушей "указывают на то, что музыку часто заказывают, и ее приятно слушать. Однако композитор ХХ века Джон Кейдж думали, что любой звук может быть музыкой, говоря, например, «Нет шум-А только звук ".^[2]

Создание, исполнение, значение и даже определение музыки варьируются в зависимости от культуры и социального контекста. Действительно, на протяжении всей истории некоторые новые формы или стили музыки подвергались критике как «не являющиеся музыкой», в том числе Бетховенс Grosse Fuge струнный квартет в 1825 г.,^[3] рано джаз в начале 1900-х^[4] и хардкор панк в 1980-е гг.^[5] Есть много типов музыки, в том числе популярная музыка, традиционная музыка, художественная музыка, музыка, написанная для религиозных церемоний и рабочие песни Такие как лисички. Музыка варьируется от строго организованных композиций, таких как симфонии классической музыки 1700-х и 1800-х годов, до спонтанно исполняемых. импровизационная музыка Такие как джаз, и авангард стили случайный современная музыка из 20-го и 21-го веков.

Музыку можно разделить на жанры (например., кантри) и жанры можно разделить на поджанры (например., кантри-блюз и поп-кантри являются двумя из множества поджанров кантри), хотя разделительные линии и отношения между музыкальными жанрами часто тонкие, иногда открыты для личной интерпретации, а иногда и спорны. Например, бывает трудно провести границу между некоторыми периодами начала 1980-х гг. Тяжелый рок и тяжелый металл. В искусство, музыку можно отнести к исполнительское искусство, изобразительное искусство или как слуховое искусство. Музыку можно играть или петь и слушать вживую в рок концерт или оркестровое исполнение, услышанное вживую как часть драматическая работа (а музыкальный театр шоу или оперы), или его можно записать и послушать по радио, MP3-плееру, СиДи плэйер, смартфон или как оценка фильм или телешоу.

Во многих культурах музыка является важной частью образа жизни людей, поскольку она играет ключевую роль в религиозные ритуалы, обряд посвящения церемонии (например, выпускной и брак), общественные мероприятия (например, танцы) и культурные мероприятия, начиная от любительских караоке пение играть в любительском фанк группа или петь в сообществе хор. Люди могут заниматься музыкой как хобби, как подросток, играющий на виолончели в молодежный оркестр, или работать профессиональным музыкантом или певцом. В музыкальная индустрия включает лиц, создающих новые песни и музыкальные произведения (например, авторов песен и композиторов), лиц, исполняющих музыку (включая оркестр, джаз музыкантов, певцов и дирижеров групп и рок-групп), физических лиц, записывающих музыку (музыкальные продюсеры и звукорежиссеры), частные лица, организующие концертные туры, и частные лица, продающие записи, ноты, и оценки клиентам. Даже если песня или отрывок были исполнены, музыкальные критики, музыкальные журналисты, и музыковеды может оценить произведение и его исполнение.

Этимология

В Греческая мифология, девять Музы послужили источником вдохновения для многих творческих начинаний, в том числе искусство.

Слово «музыка» происходит от Греческий μουσική (мышь; "искусство Музы").^[1] В Греческая мифология, девять Музы были богинями, которые вдохновляли литературу, науку и искусство и кто был источником знаний, воплощенных в поэзии, текстах песен и мифах греческой культуры. Согласно Интернет-этимологический словарь, термин «музыка» происходит от слова «музыка середины 13 века», от Старофранцузский музыка (12c.) И прямо из латинский музыка "музыкальное искусство", включая поэзию (также [источник] испанского музыка, Итальянский музыка, Древневерхненемецкий мозаика, Немецкий Музыка, Нидерландский язык muziek, Датский музыка). "Это происходит от" ... греческого mousike (techne) "(искусство) муз" из фем. of mousikos "относящиеся к Музам" из Mousa "Muse" (см. Muse (сущ.)). Современное написание [датируется] 1630-ми годами. В классическая греция, [термин «музыка» относится к] любому искусству, в котором руководили музы, но особенно к музыке и лирическая поэзия."^[6]

Как вид искусства или развлечения

Жан-Габриэль Ферлан [fr] выступление на концерте 2008 года в колледже-лицее Сен-Франсуа Ксавье

Музыка сочиняется и исполняется для многих целей: от эстетического удовольствия до религиозных или церемониальных целей или как развлекательный продукт для рынка. Когда музыка была доступна только через ноты партитуры, например, в эпоху классической и романтической эпохи, любители музыки покупали ноты любимых произведений и песен, чтобы они могли исполнять их дома на фортепиано. С появлением фонографзаписи популярных песен, а не ноты стали доминирующим способом, с помощью которого меломаны могли наслаждаться своими любимыми песнями. С появлением дома магнитофоны в 1980-х и цифровая музыка в 1990-е любители музыки могли записывать кассеты или плейлисты своих любимых песен и возьмите их с собой на портативный кассетный плеер или MP3-плеер. Некоторые меломаны создают микс ленты их любимых песен, которые служат «автопортретом, жестом дружбы, рецептом для идеальной вечеринки ... [и] средой, состоящей исключительно из того, что наиболее горячо любима».^[7]

Музыканты-любители могут сочинять или исполнять музыку для собственного удовольствия и получать доход в другом месте. Профессиональные музыканты работают в различных учреждениях и организациях, включая вооруженные силы (в оркестры, концертные группы и популярные музыкальные группы), церкви и синагоги, симфонические оркестры, радиовещание или кинопроизводство компании и музыкальные школы. Профессиональные музыканты иногда работают фрилансерами или сессионные музыканты, поиск контрактов и обязательств в различных условиях. Часто между любителями и профессиональными музыкантами существует множество связей. Начинающие музыканты-любители принимают уроки с профессиональными музыкантами. В условиях сообщества продвинутые музыканты-любители выступают с профессиональными музыкантами в различных ансамблях, таких как сообщества концертные группы и общинные оркестры.

Часто проводится различие между музыкой, исполняемой для живой аудитории, и музыкой, которая исполняется в студии, чтобы ее можно было записать и распространить через систему розничной продажи музыки или систему вещания. Однако во многих случаях живое выступление перед публикой также записывается и распространяется. Записи живых концертов популярны как в классической музыке, так и в популярная музыка формы, такие как рок, где незаконно записанные живые концерты ценятся любителями музыки. в джем-группа сцена, живая, импровизированная джем-сейшн предпочтительнее студийных записей.

Сочинение

Люди, сочинявшие музыку в 2013 году, использовали электронные клавиатуры и компьютеры.

Французский Барочная музыка композитор Мишель Ришар Делаланд (1657–1726), перо в руке.

«Композиция» - это действие или практика создания песни, инструментальная музыка произведение, произведение с вокалом и инструментами или другой тип музыки. Во многих культурах, включая западную классическую музыку, сочинение музыки также включает нотная запись, например ноты "партитура", который затем исполняется композитором или другими певцами или музыкантами. В популярной и традиционной музыке процесс сочинения, который обычно называется написанием песен, может включать в себя создание основного плана песни, называемого свинцовый лист, который устанавливает мелодия, текст песни и последовательность аккордов. В классической музыке композитор обычно оркестрирует его или ее собственные композиции, но в музыкальном театре и в поп-музыке авторы песен могут нанять аранжировщика для оркестровки. В некоторых случаях автор песен может вообще не использовать нотацию и вместо этого сочинять песню в уме, а затем воспроизводить или записывать ее по памяти. В джазе и популярной музыке заметным записям влиятельных исполнителей придается тот вес, который играют партитуры в классической музыке.

Даже когда музыка записана относительно точно, как в классической музыке, исполнитель должен принять множество решений, поскольку в нотной записи не указываются точно все элементы музыки. Процесс принятия решения о том, как исполнять музыку, которая была ранее сочинена и записана, называется «интерпретацией». Интерпретации одного и того же музыкального произведения разными исполнителями могут широко варьироваться в зависимости от выбранного темпа, стиля игры или пения или формулировка мелодий. Композиторы и авторы песен, которые представляют свою собственную музыку, интерпретируют свои песни так же, как и те, кто исполняет музыку других. Стандартный набор вариантов и техник, имеющихся в данное время и в данном месте, называется практика выступления, в то время как интерпретация обычно используется для обозначения индивидуального выбора исполнителя.^{[нужна цитата]}

Хотя в музыкальной композиции часто используется нотная запись и имеет одного автора, это не всегда так. Музыкальное произведение может иметь несколько композиторов, что часто встречается в популярная музыка когда группа сотрудничает, чтобы написать песню, или в музыкальном театре, когда один человек пишет мелодии, второй пишет тексты, а третий оркестрирует песни. В некоторых стилях музыки, таких как блюз, композитор / автор песен может создавать, исполнять и записывать новые песни или отрывки, никогда не записывая их в нотной записи. Музыкальное произведение также может состоять из слов, изображений или компьютерных программ, которые объясняют или записывают, как певец или музыкант должен создавать музыкальные звуки. Примеры варьируются от авангардной музыки, в которой графическое обозначение, в текстовые композиции, такие как Aus den sieben Tagen, компьютерным программам, выбирающим звуки для музыкальных произведений. Музыка, в которой широко используется случайность и случайность, называется алеаторическая музыка, и ассоциируется с современными композиторами, работающими в 20-м веке, такими как Джон Кейдж, Мортон Фельдман, и Витольд Лютославский. Более известный пример случайной музыки - это звук музыкальная подвеска звенящие на ветру.

В изучении композиции традиционно преобладали исследования методов и практики западной классической музыки, но определение композиции достаточно широко, чтобы включать создание популярная музыка и традиционная музыка песни и инструментальные произведения, а также спонтанно импровизированный работает как у бесплатный джаз исполнители и африканские перкуссионисты, такие как Барабанщики Ewe.

Обозначение

Ноты - это письменное представление музыки. Гоморитмический (т.е. гимн-стиль) аранжировка традиционного "Адесте Фиделес"в стандартном двух нотном стане для смешанных голосов.

В 2000-х годах под нотной записью обычно понимали письменное выражение музыкальных нот и ритмов на бумаге с использованием символов. Когда музыка записывается, высота и ритм музыки, например, ноты мелодия, отмечены. Нотные записи также часто содержат инструкции о том, как исполнять музыку. Например, в нотах к песне может быть указано, что песня представляет собой «медленный блюз» или «быстрый свинг», что указывает на темп и жанр. Чтобы читать нотную запись, человек должен понимать теория музыки, гармония и практика выступления связаны с жанром конкретной песни или пьесы.

Письменная запись зависит от стиля и периода музыки. В 2000-х нотная музыка выпускалась как ноты или, для людей с компьютером автор партитуры программ, как изображение на экран компьютера. В древности ноты наносили на каменные или глиняные таблички. Чтобы исполнять музыку по нотам, певцу или инструменталисту требуется понимание элементов ритма и высоты тона, воплощенных в символах, и практики исполнения, связанной с музыкальным произведением или жанром. В жанрах, требующих музыкальная импровизация, исполнитель часто играет музыку, где только изменения аккорда и форма песни, требующие от исполнителя глубокого понимания структуры музыки, гармонии и стилей определенного жанра (например, джаз или же кантри).

В западной художественной музыке наиболее распространенными типами письменных обозначений являются партитуры, которые включают все музыкальные части ансамблевого произведения, и части, которые представляют собой нотные записи отдельных исполнителей или певцов. В популярной музыке, джазе и блюзе стандартной нотной записью является свинцовый лист, который записывает мелодию, аккорды, текст песни (если это вокальное произведение), и структура музыки. Поддельные книги также используются в джазе; они могут состоять из свинцовых листов или просто диаграмм аккордов, что позволяет ритм-секция члены импровизировать сопровождение партия к джазовым песням. Партитуры и партии также используются в популярной музыке и джазе, особенно в больших ансамблях, таких как джаз »большие группы. "В популярной музыке гитаристы и электробасисты часто читают музыку с нотами табулатура (часто сокращенно «табуляция»), который указывает расположение нот, которые должны быть сыграны на инструменте, с использованием диаграммы гитарной или басовой накладки. Табулатура также использовалась в эпоху барокко для нотной записи музыки для лютня, струнный ладовый инструмент.

Импровизация

Импровизация играет центральную роль в джазе; музыканты изучают прогрессии, используя гаммы и аккорды (на фото Джонни Ходжес)

Музыкальная импровизация создание спонтанной музыки, часто в рамках (или на основе) уже существующей гармонической структуры или последовательность аккордов. Импровизаторы используют ноты аккорда, различные гаммы, связанные с каждым аккордом, а также хроматические орнаменты и проходящие тона, которые не могут быть ни аккордовыми тонами, ни типичными гаммами, связанными с аккордом. Музыкальная импровизация может быть сделана с подготовкой или без нее. Импровизация - основная часть некоторых музыкальных жанров, например блюз, джаз, и джазовый фьюжн, в котором исполнители-инструменталы импровизируют соло, мелодические линии и партии аккомпанемента.

В западной музыкальной традиции импровизация была важным навыком в эпоху барокко и классическую эпоху. В эпоху барокко исполнители импровизировали орнаменты, а бассо континуо клавишники импровизировали аккордовое озвучивание на основе фигурный бас обозначение. Также ожидалось, что лучшие солисты смогут импровизировать такие произведения, как прелюдии. В классическую эпоху сольные исполнители и певцы виртуозно импровизировали. каденции во время концертов.

Однако в 20-м и начале 21-го века, как «обычная практика» западных художественная музыка исполнение стало узаконенным в симфонических оркестрах, оперных театрах и балетах, импровизация играла меньшую роль, поскольку все больше и больше музыки записывалось в партитуры и партии для исполнения музыкантами. В то же время некоторые XX и XXI века художественная музыка композиторы все чаще включают импровизацию в свое творчество. В Индийская классическая музыка, импровизация - стержневой компонент и важнейший критерий выступления.

Теория

Теория музыки охватывает природу и механику музыки. Он часто включает в себя выявление закономерностей, которые определяют техники композиторов, и изучение язык и обозначение музыки. В широком смысле теория музыки извлекает и анализирует параметры или элементы музыки - ритм, гармония (гармоническая функция), мелодия, структура, форма, и текстура. В широком смысле теория музыки может включать в себя любое утверждение, убеждение или концепцию музыки или о музыке.^[8] Люди, изучающие эти свойства, известны как теоретики музыки и обычно работают профессорами в колледжах, университетах и ​​консерваториях. Некоторые подали заявку акустика, физиология человека, и психология к объяснению того, как и почему музыка воспринимается. Теоретики музыки публикуют свои исследования в журналах по теории музыки и университетских изданиях.

Элементы

В музыке много разных основ или элементов. В зависимости от используемого определения «элемента» они могут включать: высоту звука, ритм или пульс, темп, ритм, мелодию, гармонию, текстуру, стиль, распределение голосов, тембр или цвет, динамику, экспрессию, артикуляцию, форму и структуру. . Элементы музыки занимают видное место в музыкальных программах Австралии, Великобритании и США. Все три учебные программы определяют высоту звука, динамику, тембр и текстуру как элементы, но другие идентифицированные элементы музыки далеки от универсального согласия. Ниже представлен список трех официальных версий «элементов музыки»:

• Австралия: высота, тембр, текстура, динамика и экспрессия, ритм, форма и структура.^[9]
• Великобритания: высота, тембр, текстура, динамика, длительность, темп, структура.^[10]
• США: высота, тембр, фактура, динамика, ритм, форма, гармония, стиль / артикуляция.^[11]

В отношении учебной программы Великобритании в 2013 году термин: «соответствующий нотные записи"был добавлен к их списку элементов, а название списка было изменено с" элементы музыки "на" взаимосвязанные измерения музыки ". Взаимосвязанные измерения музыки перечислены как: высота звука, продолжительность, динамика , темп, тембр, текстура, структура и соответствующие нотные записи.^[12]

Фраза «элементы музыки» используется в разных контекстах. Два наиболее распространенных контекста можно разделить, описав их как «рудиментарные элементы музыки» и «элементы восприятия музыки».

Рудиментарные элементы

В 1800-х годах фразы «элементы музыки» и «зачатки музыки» использовались как синонимы.^[13][14] Элементы, описанные в этих документах, относятся к аспектам музыки, которые необходимы для того, чтобы стать музыкантом. Недавние писатели, такие как Эспи Эстрелла, похоже, используют фразу «элементы музыки» аналогичным образом.^[15] Определение, наиболее точно отражающее это употребление: «рудиментарные принципы искусства, науки и т. Д.: Элементы грамматики».^[16] Переход британской учебной программы к «взаимосвязанным измерениям музыки» кажется возвращением к использованию элементарных элементов музыки.

Элементы восприятия

С момента появления исследования психоакустика в 1930-е годы большинство списков музыкальных элементов больше относились к тому, как мы слышать музыку, чем то, как мы учимся на ней играть или изучаем. C.E. Seashore в своей книге Психология музыки,^[17] определены четыре «психологических атрибута звука». Это были: «высота, громкость, время и тембр» (стр. 3). Он не называл их «элементами музыки», но называл их «элементарными составляющими» (стр. 2). Тем не менее, эти элементарные компоненты точно связаны с четырьмя наиболее распространенными музыкальными элементами: «Высота» и «тембр» точно соответствуют, «громкость» связана с динамикой, а «время» - с основанными на времени элементами ритма, продолжительности и темпа. Это использование фразы «элементы музыки» более тесно связано с Новый словарь 20-го века Вебстера определение элемента как: «вещество, которое не может быть разделено на более простую форму известными методами»^[18] списки элементов образовательных учреждений в целом также соответствуют этому определению.

Хотя составители списков «элементарных элементов музыки» могут изменять свои списки в зависимости от своих личных (или институциональных) приоритетов, элементы восприятия музыки должны состоять из установленного (или проверенного) списка дискретных элементов, которыми можно независимо управлять для достижения предполагаемый музыкальный эффект. На данном этапе кажется, что в этой области еще предстоит провести исследования.

Немного другой подход к идентификации элементов музыки - это определение «элементов звук" в качестве: подача, продолжительность, громкость, тембр, звуковая текстура и пространственное расположение,^[19] а затем определить «элементы музыки» как: звук, структуру и художественный замысел.^[20]

Описание элементов

Высота и мелодия

Подача это аспект звука, который мы можем слышать, отражая, является ли один музыкальный звук, нота или тон «выше» или «ниже», чем другой музыкальный звук, нота или тон. Мы можем говорить о высоком или низком уровне звука в более общем смысле, например, о том, как слушатель слышит пронзительно высокий звук. пикколо примечание или свист тон выше по высоте, чем глубокий удар басовый барабан. Мы также говорим о высоте звука в точном смысле, связанном с музыкальными мелодии, басовые партии и аккорды. Точная высота звука может быть определена только в звуках, частота которых достаточно четкая и стабильная, чтобы их можно было отличить от шума. Например, слушателям намного легче различить высоту отдельной ноты, сыгранной на фортепиано, чем пытаться различить высоту звука. удар тарелки что поражено.

Мелодия к народной песне "Поп идет ласка"

А мелодия (также называемая «мелодией») - это серия звуков (нот), звучащих последовательно (одна за другой), часто с нарастанием и падением. Ноты мелодии обычно создаются с использованием систем высоты тона, таких как напольные весы или же режимы. Мелодии также часто содержат ноты аккордов, используемых в песне. Мелодии в простых народных песнях и традиционных песнях могут использовать только ноты одной гаммы, гаммы, связанной с тонической нотой или ключ данной песни. Например, народная песня в тональности до (также называемая до мажор) может иметь мелодию, в которой используются только ноты до мажорной гаммы (отдельные ноты C, D, E, F, G, A, B и C; это "белые ноты"на клавиатуре фортепиано. С другой стороны, Бибоп-эра джаз 1940-х годов и современная музыка из 20-го и 21-го веков могут использовать мелодии со многими хроматические ноты (т. е. ноты в дополнение к нотам основной гаммы; на фортепиано хроматическая гамма будет включать все ноты на клавиатуре, включая «белые ноты» и «черные ноты», а также необычные гаммы, такие как вся шкала тонов (целая шкала тонов в тональности C будет содержать ноты C, D, E, F♯, ГРАММ♯ и А♯). Низкая, глубокая музыкальная линия, воспроизводимая басовыми инструментами, такими как контрабас, электробас или туба называется басовая линия.

Гармония и аккорды

Когда музыканты играют три или более разных Примечания в то же время это создает аккорд. В Западная музыка, включая классическую музыку, поп-музыку, рок-музыку и многие родственные стили, наиболее распространенными аккордами являются триады- три ноты обычно играются одновременно. Чаще всего используются аккорды мажорный аккорд и минорный аккорд. Примером мажорного аккорда являются три высоты звука C, E и G. Примером минорного аккорда являются три высоты звука A, C и E. Гитарист исполнение аккорда на гитаре).

Гармония относится к «вертикальным» звукам высот в музыке, что означает высшие звуки, которые воспроизводятся или поются вместе одновременно для создания аккорд. Обычно это означает, что ноты воспроизводятся одновременно, хотя гармония также может подразумеваться мелодией, которая очерчивает гармоническую структуру (т. Е. Используя мелодические ноты, которые воспроизводятся одна за другой, выделяя ноты аккорда). В музыке, написанной по системе мажор-минор тональность («ключи»), который включает в себя большую часть классической музыки, написанной с 1600 по 1900 год, и большую часть западной поп-, рок- и традиционной музыки, тональность пьесы определяет используемую гамму, которая сосредоточена вокруг «домашней ноты» или тоник ключа. Простые классические пьесы и множество популярных и традиционных музыкальных композиций написаны так, чтобы вся музыка была в одном ключе. Более сложные песни и пьесы классической, популярной и традиционной музыки могут иметь две клавиши (а в некоторых случаях три или более клавиш). Классическая музыка эпохи романтизма (написанная примерно в 1820–1900 гг.) Часто содержит несколько ключей, как и джаз, особенно Бибоп джаз 1940-х годов, в котором тональность или «домашняя нота» песни может меняться каждые четыре такта или даже каждые два такта.

Ритм

Ритм - это расположение звуков и тишины во времени. Метр анимирует время в регулярных группах импульсов, называемых меры или стержни, который в западной классической, популярной и традиционной музыке часто группирует ноты по два (например, 2/4 раза), три (например, 3/4 раза, также известный как Вальс раз, или 3/8 раза), или четыре (например, 4/4 раза). Счетчики стали легче слышать, потому что песни и пьесы часто (но не всегда) делают акцент на первой доле каждой группы. Существуют заметные исключения, такие как бешеный ритм используется в большинстве западных поп и рок, в которых песня, в которой используется такт, состоящий из четырех долей (так называемый 4/4 или обычное время) будут акценты на второй и четвертой доле, которые обычно исполняются барабанщиком на барабан, громкий и отчетливо звучащий ударный инструмент. В поп- и рок-музыке ритм-части песни исполняются ритм-секция, который включает в себя инструменты для игры на аккордах (например, электрогитара, акустическая гитара, фортепиано или другие клавишные инструменты), басовый инструмент (обычно электрический бас или для некоторых стилей, таких как джаз и мятлик, контрабас) и исполнитель ударных.

Текстура

Музыкальная текстура это общее звучание музыкального произведения или песни. Фактура пьесы или песни определяется тем, как мелодические, ритмические и гармонические материалы сочетаются в композиции, тем самым определяя общий характер звука в произведении. Текстура часто описывается в отношении плотности, или толщины, и диапазона, или ширины, между самым низким и самым высоким тоном, в относительных единицах, а также более конкретно различается в соответствии с количеством голосов или частей и соотношением между этими голосами. (см. общие типы ниже). Например, толстая текстура содержит множество «слоев» инструментов. Один из этих слоев может быть секцией струны или другой латуни. На толщину также влияет количество и богатство инструментов. Текстура обычно описывается по количеству и соотношению между части или музыкальные строки:

• монофония: один мелодия (или "мелодия") без инструментальных сопровождение ни часть гармонии. Мать поет Колыбельная песня своему ребенку будет примером.
• гетерофония: два или более инструмента или певцы играют / поют одну и ту же мелодию, но каждый исполнитель немного меняет ритм или скорость мелодии или добавляет разные украшения к мелодии. Два мятлик скрипачи играть то же самое традиционный Каждая мелодия вместе, как правило, немного изменяет мелодию и добавляет разные украшения.
• полифония: несколько независимых мелодических линий, которые переплетаются друг с другом, которые поются или воспроизводятся одновременно. Хоровой музыка, написанная в Музыка эпохи Возрождения эпоха обычно писалась в этом стиле. А круглый, это такая песня, как "Греби, греби, греби на лодке", которую разные группы певцов начинают петь в разное время, является простым примером полифонии.
• гомофония: чистая мелодия, поддерживаемая хордовый сопровождение. Самый западный популярная музыка песни, начиная с XIX века, написаны в этой текстуре.

Музыка, содержащая большое количество независимых части (например, двойной концерт в сопровождении 100 оркестровых инструментов с множеством переплетающихся мелодических линий) обычно имеет «более толстую» или «более плотную» текстуру, чем произведение с небольшим количеством частей (например, соло флейта мелодия в сопровождении одиночной виолончели).

Тембр или «цвет тона»

Тембр, иногда называемый «цвет» или «цвет тона», - это качество или звук голоса или инструмента.^[21] Тембр - это то, что отличает один музыкальный звук от другого, даже если они имеют одинаковую высоту и громкость. Например, нота A с частотой 440 Гц звучит иначе при игре на гобой, фортепиано, скрипка или электрогитара. Даже если разные исполнители одного и того же инструмента играют одну и ту же ноту, их ноты могут звучать по-разному из-за различий в инструментальной технике (например, разных амбушюры), различные типы аксессуаров (например, мундштуки для медных духовых инструментов, трости для гобоев и фаготистов) или струны из различных материалов для струнных исполнителей (например, струны кишечника против стальные струны). Даже два инструменталиста, играющие одну и ту же ноту на одном инструменте (один за другим), могут звучать по-разному из-за разных способов игры на инструменте (например, два струнных исполнителя могут по-разному держать смычок).

Физические характеристики звука, определяющие восприятие тембра, включают: спектр, конверт и обертоны ноты или музыкального звука. За электрический инструменты, разработанные в 20 веке, такие как электрогитара, электробас и электрическое пианино, исполнитель также может изменить тон, отрегулировав регуляторы эквалайзера, регуляторы тембра на инструменте и с помощью блоки электронных эффектов Такие как искажение педали. Тон электрического Орган Хаммонда контролируется регулировкой тяги.

Выражение

Певцы добавляют выразительности напеваемым мелодиям, используя множество методов, включая изменение тона своего пения, добавление вибрато к определенным нотам и выделение важных слов в текстах.

Выразительные качества - это те элементы в музыке, которые вызывают изменения в музыке без изменения основной высоты звука или существенного изменения ритмов мелодии и ее сопровождения. Исполнители, в том числе певцы и инструменталисты, могут добавить музыкальной выразительности песне или произведению, добавив формулировка, добавив такие эффекты, как вибрато (с голосом и некоторыми инструментами, такими как гитара, скрипка, духовые инструменты и деревянные духовые инструменты), динамика (громкость или мягкость пьесы или ее части), колебания темпа (например, ритардандо или же Accelerando, которые соответственно замедляют и ускоряют темп), добавляя паузы или ферматас на каденция, а также изменяя артикуляцию нот (например, делая ноты более выраженными или акцентированными, делая заметки более легато, что означает плавное соединение или уменьшение длины заметок).

Выражение достигается за счет манипулирования высотой звука (например, интонация, вибрато, слайды и т. Д.), Объемом (динамика, акцент, тремоло и т. Д.), Длительностью (колебания темпа, ритмические изменения, изменение длительности нот, например, легато и стаккато и т. Д.) .), тембра (например, изменение тембра голоса с легкого на резонансный) и иногда даже текстуры (например, удвоение басовой ноты для более богатого эффекта в фортепианной пьесе). Таким образом, выражение можно рассматривать как манипулирование всеми элементами с целью передать «указание на настроение, дух, характер и т. Д.» ^[22] и как таковые не могут быть включены в качестве уникального элемента восприятия музыки,^[23] хотя его можно считать важным элементарным элементом музыки.

Форма

Ноты обозначение для припева рождественской песни »колокольчики"

В музыке форма описывает общую структуру или план песни или музыкального произведения,^[24] и он описывает расположение композиции, разделенной на разделы.^[25] В начале 20 века Аллея жестяных кастрюль песни и Бродвейский мюзикл песни часто были в AABA Форма 32 бара, в котором секции A повторяли одну и ту же мелодию из восьми тактов (с вариациями), а секция B обеспечивала контрастную мелодию или гармонию для восьми тактов. С 1960-х годов западные поп- и рок-песни часто звучат в стихотворно-припевная форма, который основан на последовательности стих и хор ("воздержаться") разделы, с новыми текст песни для большинства стихов и повторяющихся текстов для припевов. В популярной музыке часто используются строфическая форма, иногда в сочетании с двенадцать тактов блюз.^{[нужна цитата]}

В десятом издании Оксфордский компаньон музыки, Перси Скоулз определяет музыкальную форму как «серию стратегий, разработанных, чтобы найти удачное средство между противоположными крайностями - безмолвным повторением и безнадежным изменением».^[26] Примеры распространенных форм западной музыки включают фуга, то изобретение, соната-аллегро, каноник, строфический, тема и вариации, и рондо.

Скоулз утверждает, что европейская классическая музыка имела только шесть самостоятельных форм: простую двоичную, простую троичную, сложную двоичную, рондо, эйр с вариациями и фуга (хотя музыковед Альфред Манн подчеркнул, что фуга - это прежде всего метод композиции, который иногда принимает определенные структурные условности.^[27])

Если отрывок не может быть легко разбит на части (хотя он может заимствовать некоторую форму из стихотворения, рассказа или программа), это называется сквозной. Так часто бывает с фантазия, прелюдия, рапсодия, этюд (или учиться), симфоническая поэма, Багатель, импровизированный, так далее.^{[нужна цитата]} Профессор Чарльз Кейл классифицировал формы и формальные детали как «частичные, эволюционные или вариативные».^[28]

Форма в разрезе

Эта форма построена из последовательности четко обозначенных единиц.^[29] которые могут обозначаться буквами, но также часто имеют общие названия, такие как вступление и coda, экспозиция, разработка и перепросмотр, куплет, припев или припев, и мост. Введения и коды, если они не более того, часто исключаются из формального анализа. Все такие единицы обычно могут иметь длину восемь тактов. Секционные формы включают:

Строфическая форма

Эта форма определяется ее "беспрепятственным повторением" (AAAA ...)

Medley

Medley, попурри является крайней противоположностью «беспредельной вариации»: это просто неопределенная последовательность автономных частей (ABCD ...), иногда с повторами (AABBCCDD ...). Примеры включают оркестровые увертюры, которые иногда представляют собой не более чем вереницу лучших мелодий грядущего музыкального театра или оперы.

Двоичная форма в мажорной и минорной тональности. Каждый раздел должен состоять как минимум из трех фраз.^[30]

Двоичная форма

В этой форме используются две части (AB ...), каждая из которых часто повторяется (AABB ...). В западной классической музыке 18-го века для танцев часто использовалась «простая двоичная» форма, и с ней было принято соглашение, что эти две части должны быть в другом музыкальные клавиши но тот же ритм, продолжительность и тон. Чередование двух мелодий дает достаточно разнообразия, чтобы танец длился сколько угодно долго.

Троичная форма

Эта форма состоит из трех частей. В западной классической музыке у простой тройной формы есть третья часть, которая является повторением первой (ABA). Часто повторяется первый раздел (AABA). Такой подход был популярен в опере XVIII века. ария,^[31] и был назван да капо (т.е. «повторение сверху»). Позже это дало начало 32-тактовая песня, с разделом B, который часто называют "средняя восьмерка". A song has more need than a dance of a self-contained form with a beginning and an end of course.

Форма рондо

This form has a recurring theme alternating with different (usually contrasting) sections called "episodes". It may be asymmetrical (ABACADAEA) or symmetrical (ABACABA). A recurring section, especially the main theme, is sometimes more thoroughly varied, or else one episode may be a "development" of it. A similar arrangement is the риторнель form of the Baroque концерт гроссо. Форма арки (ABCBA) resembles a symmetrical rondo without intermediate repetitions of the main theme. It is normally used in a round.

Variational form

Тема с вариациями: а тема, which in itself can be of any shorter form (binary, ternary, etc.), forms the only "section" and is repeated indefinitely (as in strophic form) but is varied each time (A, B, A, F, Z, A), so as to make a sort of sectional chain form. An important variant of this, much used in 17th-century British music and in the Пассакалия и Чакона, was that of the наземный бас – a repeating bass theme or бассо остинато over and around which the rest of the structure unfolds, often, but not always, spinning полифонический или же контрапункт threads, or improvising подразделения и десканты. This is said by Scholes (1977) to be the form по преимуществу of unaccompanied or accompanied solo instrumental music. В Рондо is often found with sections varied (AA¹BA²CA³BA⁴) or (ABA¹CA²B¹А).

Developmental form

Developmental forms are built directly from smaller units, such as мотивы. A well-known Classical piece with a motif is Beethoven's fifth symphony, which starts with three short repeated notes and then a long note. In Classical pieces that are based on motifs, the motif is usually combined, varied and worked out in different ways, perhaps having a symmetrical or arch-like underpinning and a progressive development from beginning to end. By far the most important developmental form in Western classical music is сонатная форма.

This form, also known as first movement form, compound binary, or ternary form, developed from the binary-formed dance movement described above but is almost always cast in a greater ternary form having the nominal subdivisions of экспозиция, разработка и перепросмотр. Usually, but not always, the "A" parts (exposition and recapitulation, respectively) may be subdivided into two or three темы or theme groups which are taken asunder and recombined to form the "B" part (the development) – thus, e.g. (AabB[dev. of a or b]A¹ab¹+coda). This developmental form is generally confined to certain sections of the piece, as to the middle section of the first movement of a sonata, though 19th-century composers such as Берлиоз, Лист и Вагнер made valiant efforts to derive large-scale works purely or mainly from the motif.

Analysis of styles

Фанк places most of its emphasis on rhythm and канавка, with entire songs based around a вамп on a single chord. Pictured are the influential funk musicians Джордж Клинтон и Парламент-Funkadelic в 2006 году.

Some styles of music place an emphasis on certain of these fundamentals, while others place less emphasis on certain elements. To give one example, while Бибоп-эра джаз makes use of very complex chords, including altered dominants и сложный аккорды, with chords changing two or more times per bar and keys changing several times in a tune, фанк places most of its emphasis on rhythm and канавка, with entire songs based around a вамп on a single chord. While Romantic era classical music from the mid- to late-1800s makes great use of dramatic changes of dynamics, from whispering pianissimo sections to thunderous fortissimo sections, some entire Baroque dance suites for клавесин from the early 1700s may use a single dynamic. To give another example, while some художественная музыка части, такие как симфонии are very long, some pop songs are just a few minutes long.

История

Ранняя история

A bone flute which is over 41,000 years old.

Доисторическая музыка can only be theorized based on findings from палеолит archaeology sites. Флейты are often discovered, carved from bones in which lateral holes have been pierced; these are thought to have been blown at one end like the Japanese сякухати. В Divje Babe флейта, вырезанный из пещерный медведь бедренная кость, считается, что ему не менее 40 000 лет. Такие инструменты, как флейта с семью отверстиями и различные типы струнные инструменты, такой как Раванахатха, были восстановлены из Цивилизация долины Инда археологический места.^[32] В Индии одна из старейших музыкальных традиций в мире - ссылки на Индийская классическая музыка (marga) находятся в Веды, древние писания Индуистский традиция.^[33] The earliest and largest collection of prehistoric musical instruments was found in China and dates back to between 7000 and 6600 BC.^[34] "Hurrian Hymn to Nikkal", found on глиняные таблички that date back to approximately 1400 BC, is the oldest surviving notated work of music.^[35][36]

Древний Египет

Музыканты Амон, Могила Нахт, 18-я династия, Western Thebes

Древний Египтяне credited one of their gods, Тот, with the invention of music, with Осирис in turn used as part of his effort to civilize the world. The earliest material and representational evidence of Egyptian musical instruments dates to the Predynastic period, but the evidence is more securely attested in the Старое королевство когда арфы, флейты и double clarinets были сыграны.^[37] Percussion instruments, лиры и лютни were added to orchestras by the Поднебесная. Тарелки^[38] frequently accompanied music and dance, much as they still do in Египет сегодня. Египтянин Народная музыка, including the traditional Суфий зикр rituals, are the closest contemporary музыкальный жанр к древнеегипетский music, having preserved many of its features, rhythms and instruments.^[39][40]

Азиатские культуры

Indian women dressed in regional attire playing a variety of musical instruments popular in different parts of India

Азиатская музыка covers a vast swath of music cultures surveyed in the articles on Аравия, Центральная Азия, Восточная Азия, Южная Азия, и Юго-Восточная Азия. Several have traditions reaching into antiquity.

Индийская классическая музыка is one of the oldest musical traditions in the world.^[41] В Цивилизация долины Инда has sculptures that show dance^[42] and old musical instruments, like the seven holed flute. Various types of stringed instruments and drums have been recovered from Хараппа и Мохенджо-Даро by excavations carried out by Sir Мортимер Уиллер.^[43] В Ригведа has elements of present Indian music, with a musical notation to denote the metre and the mode of chanting.^[44] Indian classical music (marga) is monophonic, and based on a single melody line or рага rhythmically organized through талас. Силаппадхикарам к Иланго Адигал provides information about how new scales can be formed by modal shifting of the tonic from an existing scale.^[45] Сегодняшний день Хинди музыка находился под влиянием Персидская традиционная музыка и Афганский Mughals. Карнатическая музыка, popular in the southern states, is largely devotional; the majority of the songs are addressed to the Hindu deities. There are also many songs emphasising love and other social issues.

Chinese classical music, the traditional art or court music of China, has a history stretching over around three thousand years. It has its own unique systems of musical notation, as well as musical tuning and pitch, musical instruments and styles or musical genres. Chinese music is pentatonic-diatonic, having a scale of twelve notes to an octave (5 + 7 = 12) as does European-influenced music.

References in the Bible

"David with his harp" Парижская Псалтырь,
c. 960, Константинополь

Knowledge of the biblical period is mostly from literary references in the Библия and post-biblical sources. Religion and music historian Herbert Lockyer, Jr. writes that "music, both vocal and instrumental, was well cultivated among the Евреям, то Новый Завет Christians, and the Христианская церковь through the centuries."^[46] He adds that "a look at the Ветхий Завет reveals how God's ancient people were devoted to the study and practice of music, which holds a unique place in the historical and prophetic books, as well as the Psalter."

Music and theatre scholars studying the history and anthropology of Семитский и рано Иудео-христианин culture have discovered common links in theatrical and musical activity between the classical cultures of the Евреям and those of later Греки и Римляне. The common area of performance is found in a "social phenomenon called ектения," a form of prayer consisting of a series of призывы или же мольбы. В Journal of Religion and Theatre notes that among the earliest forms of litany, "Hebrew litany was accompanied by a rich musical tradition:"^[47]

Genesis 4.21 indicated that Jubal is the "father of all such as handle the harp and pipe", the Pentateuch is nearly silent about the practice and instruction of music in the early life of Israel". In I Samuel 10, there are more depictions of "large choirs and orchestras". These large ensembles could only be run with extensive rehearsals. This had led some scholars to theorize that the prophet Samuel led a public music school to a wide range of students.^[47]

Древняя Греция

	Epitaph of Seikilos Melody sung in an approximation of Койне греческий pronunciation and in modern popular vocal style.
Проблемы с воспроизведением этого файла? Видеть помощь СМИ.

Music was an important part of social and cultural life in древняя Греция. Musicians and singers played a prominent role in Греческий театр.^[48] Mixed-gender припевы performed for entertainment, celebration, and spiritual ceremonies.^[49] Instruments included the double-reed Aulos and a plucked струнный инструмент, то лира, principally the special kind called a Китара. Музыка was an important part of education, and boys were taught music starting at age six. Greek musical literacy created a flowering of music development. Греческий теория музыки included the Greek musical modes, that eventually became the basis for Western религиозный и классический Музыка. Later, influences from the Римская империя, Eastern Europe, and the Византийская империя changed Greek music. В Сейкилос эпитафия is the oldest surviving example of a complete musical composition, including musical notation, from anywhere in the world.^[50] The oldest surviving work written on the subject of music theory is Harmonika Stoicheia к Аристоксен.^[51]

Средний возраст

Музыкальная нотация from a Catholic Миссал, c. 1310–1320

В средневековый era (476 to 1400), which took place during the Средний возраст, started with the introduction of однотонный (single melodic line) chanting в Римская католическая церковь Сервисы. Музыкальная нотация was used since Ancient times in Греческая культура, but in the Middle Ages, notation was first introduced by the Католическая церковь so that the chant melodies could be written down, to facilitate the use of the same melodies for religious music across the entire Catholic empire. The only European Medieval repertory that has been found in written form from before 800 is the однотонный литургический равнина chant of the Roman Catholic Church, the central tradition of which was called Григорианский напев. Alongside these traditions of священный и церковная музыка there existed a vibrant tradition of secular song (non-religious songs). Examples of composers from this period are Леонин, Перотен, Гийом де Машо, и Вальтер фон дер Фогельвайде.

эпоха Возрождения

Allegory of Music, by Филиппино Липпи

Музыка эпохи Возрождения (c. 1400 to 1600) was more focused on secular (non-religious) themes, such as изысканная любовь. Around 1450, the печатный станок was invented, which made printed ноты much less expensive and easier to mass-produce (prior to the invention of the printing press, all notated music was hand-copied). The increased availability of sheet music helped to spread musical styles more quickly and across a larger area. Musicians and singers often worked for the church, courts and towns. Church choirs grew in size, and the church remained an important patron of music. By the middle of the 15th century, composers wrote richly polyphonic sacred music, in which different melody lines were interwoven simultaneously. Prominent composers from this era include Гийом Дюфе, Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, Томас Морли, и Орланде де Лассус. As musical activity shifted from the church to the aristocratic courts, kings, queens and princes competed for the finest composers. Many leading important composers came from the Netherlands, Belgium, and northern France. They are called the Franco-Flemish composers. They held important positions throughout Europe, especially in Italy. Other countries with vibrant musical activity included Germany, England, and Spain.

Барокко

В Baroque era of music took place from 1600 to 1750, as the Baroque artistic style flourished across Europe; and during this time, music expanded in its range and complexity. Baroque music began when the first operas (dramatic solo vocal music accompanied by orchestra) were written. During the Baroque era, полифонический контрапункт music, in which multiple, simultaneous independent melody lines were used, remained important (counterpoint was important in the vocal music of the Medieval era). German Baroque composers wrote for small ансамбли включая струны, латунь, и деревянные духовые, а также для хоры and keyboard instruments such as орган, клавесин, и клавикорд. During this period several major music forms were defined that lasted into later periods when they were expanded and evolved further, including the фуга, то изобретение, то соната, and the concerto.^[52] The late Baroque style was polyphonically complex and richly ornamented. Important composers from the Baroque era include Иоганн Себастьян Бах (Виолончельные сюиты), Георг Фридрих Гендель (Мессия), Георг Филипп Телеманн и Антонио Лучио Вивальди (Четыре сезона).

Классицизм

Вольфганг Амадей Моцарт (seated at the keyboard) was a вундеркинд virtuoso performer on the piano and violin. Even before he became a celebrated composer, he was widely known as a gifted performer and improviser.

Музыка Классический период (1730 to 1820) aimed to imitate what were seen as the key elements of the art and philosophy of Ancient Greece and Rome: the ideals of balance, proportion and disciplined expression. (Note: the music from the Классический период should not be confused with Classical music in general, a term which refers to Western художественная музыка from the 5th century to the 2000s, which includes the Classical period as one of a number of periods). Music from the Classical period has a lighter, clearer and considerably simpler texture than the Барочная музыка который ему предшествовал. The main style was гомофония,^[53] where a prominent мелодия and a subordinate chordal сопровождение part are clearly distinct. Classical instrumental melodies tended to be almost voicelike and singable. New genres were developed, and the фортепиано, the forerunner to the modern piano, replaced the Baroque era клавесин и орган as the main keyboard instrument (though pipe organ continued to be used in sacred music, such as Masses).

Importance was given to инструментальный Музыка. It was dominated by further development of musical forms initially defined in the Baroque period: the соната, the concerto, and the симфония. Others main kinds were the трио, струнный квартет, серенада и divertimento. The sonata was the most important and developed form. Although Baroque composers also wrote sonatas, the Classical style of sonata is completely distinct. All of the main instrumental forms of the Classical era, from string quartets to symphonies and concertos, were based on the structure of the sonata. The instruments used камерная музыка and orchestra became more standardized. In place of the бассо континуо group of the Baroque era, which consisted of harpsichord, organ or lute along with a number of bass instruments selected at the discretion of the group leader (e.g., viol, cello, theorbo, serpent), Classical chamber groups used specified, standardized instruments (e.g., a струнный квартет would be performed by two violins, a viola and a cello). The Baroque era improvised chord-playing of the continuo keyboardist or lute player was gradually phased out between 1750 and 1800.

One of the most important changes made in the Classical period was the development of public concerts. The aristocracy still played a significant role in the sponsorship of concerts and compositions, but it was now possible for composers to survive without being permanent employees of queens or princes. The increasing popularity of classical music led to a growth in the number and types of orchestras. The expansion of orchestral concerts necessitated the building of large public performance spaces. Symphonic music including symphonies, musical accompaniment to ballet and mixed vocal/instrumental genres such as opera and оратория стал более популярным.

The best known composers of Classicism are Карл Филипп Эмануэль Бах, Кристоф Уиллибальд Глюк, Иоганн Кристиан Бах, Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт, Людвиг ван Бетховен и Франц Шуберт. Beethoven and Schubert are also considered to be composers in the later part of the Classical era, as it began to move towards Romanticism.

Романтизм

The piano was the centrepiece of social activity for middle-class urbanites in the 19th century (Мориц фон Швинд, 1868). The man at the piano is composer Франц Шуберт.

Романтическая музыка (c. 1810 to 1900) from the 19th century had many elements in common with the Романтичный styles in literature and painting of the era. Romanticism was an artistic, literary, and intellectual movement was characterized by its emphasis on emotion and individualism as well as glorification of all the past and nature. Romantic music expanded beyond the rigid styles and forms of the Classical era into more passionate, dramatic expressive pieces and songs. Romantic composers such as Вагнер и Брамс attempted to increase emotional expression and power in their music to describe deeper truths or human feelings. With symphonic тональные стихи, composers tried to tell stories and evoke images or landscapes using instrumental music. Some composers promoted националистический pride with patriotic orchestral music inspired by Народная музыка. The emotional and expressive qualities of music came to take precedence over tradition.

Romantic composers grew in idiosyncrasy, and went further in the синкретизм of exploring different art-forms in a musical context, (such as literature), history (historical figures and legends), or nature itself. Романтическая любовь or longing was a prevalent theme in many works composed during this period. In some cases the formal structures from the classical period continued to be used (e.g., the сонатная форма используется в струнные квартеты и симфонии), but these forms were expanded and altered. In many cases, new approaches were explored for existing genres, forms, and functions. Also, new forms were created that were deemed better suited to the new subject matter. Composers continued to develop opera and ballet music, exploring new styles and themes.^[48]

In the years after 1800, the music developed by Людвиг ван Бетховен и Франц Шуберт introduced a more dramatic, expressive style. In Beethoven's case, short мотивы, developed organically, came to replace мелодия as the most significant compositional unit (an example is the distinctive four note figure used in his Пятая симфония). Later Romantic composers such as Петр Ильич Чайковский, Антонин Дворжак, и Густав Малер used more unusual аккорды и больше диссонанс to create dramatic tension. They generated complex and often much longer musical works. During the late Romantic period, composers explored dramatic хроматический alterations of тональность, Такие как расширенные аккорды и измененные аккорды, which created new sound "colours". The late 19th century saw a dramatic expansion in the size of the orchestra, and the Индустриальная революция helped to create better instruments, creating a more powerful sound. Public concerts became an important part of well-to-do городской общество. It also saw a new diversity in theatre music, включая оперетта, и музыкальная комедия and other forms of musical theatre.^[48]

20th and 21st century music

In the 19th century, one of the key ways that new compositions became known to the public was by the sales of ноты, which middle class amateur music lovers would perform at home on their piano or other common instruments, such as violin. С Музыка 20 века, the invention of new electric technologies Такие как радиовещание и массовый рынок наличие gramophone records имел ввиду это звукозаписи of songs and pieces heard by listeners (either on the radio or on their record player) became the main way to learn about new songs and pieces. There was a vast increase in music listening as the radio gained popularity and фонографы were used to replay and distribute music, because whereas in the 19th century, the focus on sheet music restricted access to new music to the middle class and upper-class people who could read music and who owned pianos and instruments, in the 20th century, anyone with a radio or record player could hear operas, симфонии и большие группы right in their own living room. This allowed lower-income people, who would never be able to afford an opera or symphony concert ticket to hear this music. It also meant that people could hear music from different parts of the country, or even different parts of the world, even if they could not afford to travel to these locations. This helped to spread musical styles.

В центре внимания художественная музыка in the 20th century was characterized by exploration of new rhythms, styles, and sounds. The horrors of Первая Мировая Война influenced many of the arts, including music, and some composers began exploring darker, harsher sounds. Традиционная музыка такие стили, как джаз и Народная музыка were used by composers as a source of ideas for classical music. Игорь Стравинский, Арнольд Шенберг, и Джон Кейдж were all influential composers in 20th-century art music. Изобретение запись звука and the ability to edit music gave rise to new subgenre of classical music, including the акусматический^[54] и Musique concrète schools of electronic composition. Sound recording was also a major influence on the development of popular music genres, because it enabled recordings of songs and bands to be widely distributed. The introduction of the многодорожечная запись system had a major influence on rock music, because it could do much more than record a band's performance. Using a multitrack system, a band and their music producer could overdub many layers of instrument tracks and vocals, creating new sounds that would not be possible in a live performance.

Джаз evolved and became an important genre of music over the course of the 20th century, and during the second half of that century, rock music did the same. Jazz is an American musical artform that originated in the beginning of the 20th century in African American communities in the Southern United States from a confluence of Африканский and European music traditions. The style's West African pedigree is evident in its use of синие ноты, импровизация, полиритмы, синкопа, а качнул записку.^[55]

Rock music is a genre of популярная музыка that developed in the 1960s from 1950s рок-н-ролл, рокабилли, блюз, и кантри.^[56] The sound of rock often revolves around the electric guitar or acoustic guitar, and it uses a strong back beat laid down by a ритм-секция. Along with the guitar or keyboards, saxophone and blues-style harmonica are used as soloing instruments. In its "purest form", it "has three chords, a strong, insistent back beat, and a catchy melody".^{[Эта цитата требует цитирования]} The traditional rhythm section for popular music is rhythm guitar, electric bass guitar, drums. Some bands also have keyboard instruments such as organ, piano, or, since the 1970s, аналоговые синтезаторы. In the 1980s, pop musicians began using digital synthesizers, such as the DX-7 synthesizer, electronic drum machines такой как TR-808 and synth bass devices (such as the ТБ-303) или же синтезаторный бас keyboards. In the 1990s, an increasingly large range of computerized hardware musical devices and instruments and software (e.g., digital audio workstations) were used. In the 2020s, soft synths and computer music apps make it possible for bedroom producers to create and record some types of music, such as электронная танцевальная музыка in their own home, adding sampled and digital instruments and editing the recording digitally. In the 1990s, some bands in genres such as ню-метал began including Ди-джеи in their bands. DJs create music by manipulating recorded music on record players or CD players, using a DJ-микшер.

Спектакль

Китайский Naxi музыканты

Ассирийцы играть зурна и Давул, instruments that go back thousands of years.

Спектакль is the physical expression of music, which occurs when a song is sung or when a piano piece, electric guitar melody, symphony, drum beat or other музыкальная часть is played by musicians. In classical music, a musical work is written in нотная запись by a composer and then it is performed once the composer is satisfied with its structure and instrumentation. However, as it gets performed, the interpretation of a song or piece can evolve and change. In classical music, instrumental performers, singers or conductors may gradually make changes to the phrasing or tempo of a piece. In popular and traditional music, the performers have a lot more freedom to make changes to the form of a song or piece. As such, in popular and traditional music styles, even when a band plays a кавер на песню, they can make changes to it such as adding a гитарное соло to or inserting an introduction.

A performance can either be planned out and rehearsed (practiced)—which is the norm in classical music, with jazz большие группы and many popular music styles–or импровизированный через последовательность аккордов (a sequence of chords), which is the norm in small джаз и блюз группы. Rehearsals of orchestras, концертные группы и хоры are led by a conductor. Rock, blues and jazz bands are usually led by the bandleader. A rehearsal is a structured repetition of a song or piece by the performers until it can be sung and/or played correctly and, if it is a song or piece for more than one musician, until the parts are together from a rhythmic and tuning perspective. Improvisation is the creation of a musical idea–a melody or other musical line–created on the spot, often based on scales or pre-existing melodic риффы.

Many cultures have strong traditions of solo performance (in which one singer or instrumentalist performs), such as in Indian classical music, and in the Western art-music tradition. Other cultures, such as in Бали, include strong traditions of group performance. All cultures include a mixture of both, and performance may range from improvised solo playing to highly planned and organised performances such as the modern classical concert, religious processions, classical music festivals or музыкальные конкурсы. Камерная музыка, which is music for a small ensemble with only a few of each type of instrument, is often seen as more intimate than large symphonic works.

Oral and aural tradition

Many types of music, such as traditional блюз и Народная музыка were not written down in ноты; instead, they were originally preserved in the memory of performers, and the songs were handed down устно, from one musician or singer to another, or aurally, in which a performer learns a song "на слух". When the composer of a song or piece is no longer known, this music is often classified as "traditional" or as a "folk song". Different musical traditions have different attitudes towards how and where to make changes to the original source material, from quite strict, to those that demand improvisation or modification to the music. A culture's history and stories may also be passed on by ear through song.

Ornamentation

Трель sign—a rapid alternation between two notes.

In music, an орнамент consists of added notes that provide decoration to a melody, bassline or other musical part. The detail included explicitly in the нотная запись varies between genres and historical periods. In general, art music notation from the 17th through the 19th centuries required performers to have a great deal of contextual knowledge about performing styles. For example, in the 17th and 18th centuries, music notated for solo performers typically indicated a simple, unadorned melody. Performers were expected to know how to add stylistically appropriate ornaments to add interest to the music, such as трели и повороты. Different styles of music use different ornaments. A Baroque flute player might add mordents, which are short notes that are played before the main melody note, either above or below the main melody note. A blues guitarist playing electric guitar might use string bending to add expression; а heavy metal guitar player might use молотки и оттяжки.

В 19 веке художественная музыка для сольных исполнителей может давать общие инструкции, например, как выразительно исполнять музыку, без подробного описания того, как исполнитель должен это делать. Ожидалось, что исполнитель уметь использовать смену темпа, акцент, и пауза (среди других устройств) для получения этого «выразительного» стиля исполнения. В 20-м веке нотация художественной музыки часто становилась более явной и использовала ряд пометок и аннотаций, чтобы указать исполнителям, как они должны играть или петь пьесу. В популярной музыке и традиционных музыкальных стилях исполнители должны знать, какие типы орнаментов стилистически подходят для данной песни или пьесы, и исполнители обычно добавляют их импровизированным образом. Единственное исключение - соло для нот, в которых некоторые игроки точно воссоздают известную версию соло, например, соло. гитарное соло.

Философия и эстетика

Живопись Болдини женщины, играющей на пианино

Философия музыки это подполе философии. Философия музыки - это изучение фундаментальных вопросов, касающихся музыки. Философское изучение музыки во многом связано с философскими вопросами в метафизика и эстетика.Некоторые основные вопросы философии музыки:

• Что определение музыки? (Какие необходимые и достаточные условия для классификации чего-то как музыки?)
• Какая связь между музыкой и разумом?
• Что значит история музыки рассказать нам о мире?
• Какая связь между музыкой и эмоциями?
• Что значит по отношению к музыке?

В древности, например, с Древние греки, то эстетика музыки исследовал математические и космологический размеры ритмичный и гармоническая организация. В 18 веке акцент сместился на восприятие музыки и, следовательно, на вопросы о ее красоте и человеческом удовольствии (Plaisir и jouissance) музыки. Происхождение этого философского сдвига иногда приписывают Александр Готлиб Баумгартен в 18 веке, затем Иммануил Кант. Благодаря их письму древний термин «эстетика», означающий чувственное восприятие, получивший современный оттенок. В 2000-х философы, как правило, уделяли особое внимание вопросам помимо красоты и удовольствия. Например, центральным вопросом была способность музыки выражать эмоции.^{[нужна цитата]}

В ХХ веке важный вклад внесли Питер Киви, Джеррольд Левинсон, Роджер Скратон, и Стивен Дэвис. Однако многие музыканты, музыкальные критики, и другие нефилософы внесли свой вклад в эстетику музыки. В 19 веке между Эдуард Ханслик, а музыкальный критик и музыковед, и композитор Рихард Вагнер относительно того, может ли музыка выражать смысл. Гарри Партч и некоторые другие музыковеды, Такие как Кайл Ганн, изучили и попытались популяризировать микротональная музыка и использование альтернативных музыкальные гаммы. Также многие современные композиторы любят Ла Монте Янг, Рис Чатем и Гленн Бранка уделял большое внимание шкале под названием просто интонация.^{[нужна цитата]}

Часто думают, что музыка может влиять на наши эмоции, интеллект, и психология; он может успокоить наше одиночество или разжечь страсти. В философ Платон предлагает в Республика эта музыка имеет прямое воздействие на душу. Поэтому он предлагает, чтобы при идеальном режиме музыка строго регулировалась государством (Книга VII).^{[нужна цитата]}

В эстетике музыки существует сильная тенденция подчеркивать первостепенное значение композиционной структуры; однако другие вопросы, касающиеся эстетики музыки, включают лиризм, гармония, гипноз, эмоциональность, временная динамика, резонанс, игривость и цвет (смотрите также музыкальное развитие).^{[нужна цитата]}

Психология

Современное музыкальная психология стремится объяснить и понять музыкальные поведение и опыт.^[57] Исследования в этой области и ее подразделах в первую очередь эмпирический; их знания имеют тенденцию продвигаться на основе интерпретации данных, собранных систематически наблюдение и взаимодействие с люди-участники. Помимо сосредоточения внимания на фундаментальных восприятиях и когнитивных процессах, музыкальная психология - это область исследований, имеющих практическое значение для многих областей, включая музыку. спектакль, сочинение, образование, критика, и терапия, а также исследования человека способность, навык, интеллект, творчество и социальное поведение.

Когнитивная нейробиология музыки

В первичная слуховая кора это одна из основных областей, связанных с превосходным разрешением по высоте тона.

Когнитивная нейробиология музыки - это научное исследование механизмов мозга, участвующих в когнитивных процессах, лежащих в основе музыки. Эти формы поведения включают прослушивание музыки, исполнение, сочинение, чтение, письмо и вспомогательную деятельность. Он также все больше касается мозговой основы музыкальной эстетики и музыкальных эмоций. Эта область отличается тем, что полагается на прямые наблюдения за мозгом с использованием таких методов, как функциональная магнитно-резонансная томография (фМРТ), транскраниальная магнитная стимуляция (ТМС), магнитоэнцефалография (МЭГ), электроэнцефалография (ЭЭГ) и позитронно-эмиссионная томография (ДОМАШНИЙ ПИТОМЕЦ).

Когнитивное музыковедение

Когнитивное музыковедение это филиал наука о мышлении обеспокоен компьютерное моделирование музыкальные знания с целью понимания музыки и познания.^[58] Использование компьютерных моделей обеспечивает точную интерактивную среду для формулирования и проверки теорий и имеет корни в искусственный интеллект и наука о мышлении.^[59]

Эта междисциплинарная область исследует такие темы, как параллели между языком и музыкой в ​​мозгу. Биологические модели вычислений часто включаются в исследования, такие как нейронные сети и эволюционные программы.^[60] Эта область направлена ​​на моделирование того, как музыкальные знания представлены, хранятся, воспринимаются, исполняются и генерируются. Используя хорошо структурированную компьютерную среду, можно исследовать систематические структуры этих когнитивных явлений.^[61]

Психоакустика

Психоакустика это научное исследование звукового восприятия. В частности, это отрасль науки, изучающая психологический и физиологический ответы, связанные со звуком (в том числе речь и музыка). Его можно далее классифицировать как ветвь психофизика.

Эволюционное музыковедение

Эволюционное музыковедение касается «происхождения музыки, вопроса о песнях животных, давления отбора, лежащего в основе эволюции музыки» и «эволюции музыки и эволюции человека».^[62] Он пытается понять восприятие музыки и деятельность в контексте эволюционная теория. Чарльз Дарвин предположил, что музыка могла обладать адаптивным преимуществом и функционировать как протоязык,^[63] точка зрения, породившая несколько конкурирующих теорий музыкальной эволюции.^[64][65][66] Альтернативный взгляд рассматривает музыку как побочный продукт лингвистическая эволюция; разновидность «слухового чизкейка», который радует органы чувств, не выполняя никаких адаптивных функций.^[67] Этой точке зрения прямо противоречат многочисленные исследователи музыки.^[68][69][70]

Культура в музыкальном познании

Культура человека или этническая принадлежность играет роль в их познание музыки, включая их предпочтения, эмоциональная реакция, и музыкальная память. Музыкальные предпочтения смещены в сторону культурно знакомых музыкальных традиций, начиная с младенчества, а классификация эмоций музыкального произведения взрослыми зависит как от культурных особенностей, так и от универсальных структурных особенностей.^[71][72] Кроме того, индивидуальные способности музыкальной памяти больше подходят для музыки, знакомой в культурном отношении, чем для музыки, незнакомой в культурном отношении.^[73][74]

Социологические аспекты

Живопись династии Сун (960–1279), Ночные пиршества Хань Сицзая, показывающий, как китайские музыканты развлекают гостей на вечеринке в доме X века.

Многие этнографические исследования показывают, что музыка - это коллективная деятельность на уровне сообщества.^[75][76] Музыка ощущается людьми в различных социальных условиях, от одиночества до посещения большого концерта, формируя музыкальное сообщество, что нельзя понимать как функцию индивидуальной воли или случайности; в него входят как коммерческие, так и некоммерческие участники с общим набором общих ценностей. Музыкальные представления принимают разные формы в разных культурах и социально-экономических условиях. В Европе и Северной Америке часто существует разногласие между тем, какие типы музыки рассматриваются как "высокая культура" и "низкая культура. »Типы музыки« высокой культуры »обычно включают западную художественную музыку, такую ​​как симфонии, концерты и сольные произведения в стиле барокко, классика, романтика и современность, и обычно их можно услышать на официальных концертах в концертных залах и церквях с аудиторией. спокойно сидеть на сиденьях.

Другие типы музыки, включая, помимо прочего, джаз, блюз и т. Д. душа, и страна- часто исполняются в барах, ночных клубах и театрах, где публика может пить, танцевать и выражать свое одобрение. До конца 20-го века разделение на «высокие» и «низкие» музыкальные формы было широко признано как действительное различие, которое отделяло более качественную, более продвинутую «художественную музыку» от популярных стилей музыки, которые звучат в барах и танцевальных залах.

Однако в 1980-х и 1990-х годах музыковеды, изучающие это воспринимаемое различие между "высокими" и "низкими" музыкальными жанрами, утверждали, что это различие не основано на музыкальной ценности или качестве разных типов музыки.^{[нужна цитата]} Скорее они утверждали, что это различие было основано в основном на социоэкономика положение или социальный класс исполнителей или слушателей различных музыкальных жанров.^{[нужна цитата]} Например, если аудитория концертов классической симфонии обычно имеет доход выше среднего, аудитория рэп-концерта в центральной части города может иметь доходы ниже среднего.^{[нужна цитата]} Даже если исполнители, аудитория или место, где исполняется не "художественная" музыка, могут иметь более низкий социально-экономический статус, исполняемая музыка, такая как блюз, рэп, панк, фанк, или же ска может быть очень сложным и изощренным.

Когда композиторы вводят музыкальные стили, которые выходят за рамки условностей, может возникнуть сильное сопротивление со стороны академических музыкальных экспертов и поп-культуры. Поздние струнные квартеты Бетховена, партитуры из балета Стравинского, сериализм, бибоп-эра джаз, хип-хоп, панк-рок и электроника все они считались не относящимися к музыке некоторыми критиками, когда они были впервые представлены.^{[нужна цитата]} Такие темы исследуются в социологии музыки. Социологическое исследование музыки, иногда называемое социомузыкология, часто изучается на факультетах социологии, медиа-исследований или музыки и тесно связан со сферой этномузыкология.

Роль женщин

Композитор и пианист 19 века Клара Шуман

На протяжении всей истории женщины играли важную роль в музыке как композиторы, авторы песен, инструментальные исполнителипевцы, дирижеры, музыковеды, музыкальные педагоги, музыкальные критики/музыкальные журналисты и другие музыкальные профессии. Кроме того, он описывает музыкальные движения, события и жанры, связанные с женщинами, женские проблемы и феминизм. В 2010-е годы женщины составляют значительную долю популярная музыка исполнители классической музыки и значительная часть авторов песен (многие из которых являются авторами песен), есть несколько продюсеров-женщин, рок-критики и рок-инструменталисты. Хотя было огромное количество женщины-композиторы в классической музыке от средневековья до наших дней женщины-композиторы значительно недопредставлены в репертуар часто исполняемой классической музыки, учебники истории музыки и музыкальные энциклопедии; например, в Краткая оксфордская история музыки, Клара Шуман - одна из немногих упомянутых женщин-композиторов.

Женщины составляют значительную долю солистов-инструменталистов в классической музыке, и процент женщин в оркестрах растет. Однако в статье 2015 года о солистах концертов в крупных канадских оркестрах указано, что 84% солистов с оркестром Симфонический оркестр Монреаля были мужчины. В 2012 году женщины по-прежнему составляли всего 6% от рейтинговых Венская филармония оркестр. Женщины реже играют на инструментах в таких популярных музыкальных жанрах, как рок и тяжелый металл, хотя было много известных женщин-инструменталистов и женские группы. Женщины особенно недопредставлены в экстремальный металл жанры.^[77] В поп-музыке 1960-х, «как и большинство аспектов ... музыкального бизнеса, [в 1960-х] в написании песен доминировали мужчины. Хотя на радио было много певиц, женщин. ... в первую очередь воспринимались как потребители: ... Пение иногда было приемлемым времяпрепровождением для девушки, но играть на музыкальном инструменте, писать песни или выпускать пластинки просто не было сделано ».^[78] Молодые женщины «... не были приучены видеть себя людьми, создающими [музыку]».^[78]

Женщины также недостаточно представлены в оркестровом дирижировании, музыкальной критике / музыкальной журналистике, производство музыки, и звуковая инженерия. В то время как в 19 веке женщинам не нравилось сочинять музыку, а женщин мало музыковедыженщины стали участвовать в музыкальное образование «... до такой степени, что женщины доминировали [в этой области] во второй половине 19 века и вплоть до 20 века».^[79]

По словам Джессики Дюшен, музыкального писателя лондонского Независимый, женщин-музыкантов в классической музыке «... слишком часто судят за их внешность, а не за их талант», и они сталкиваются с давлением, «чтобы выглядеть сексуально на сцене и на фотографиях».^[80] Дюшен заявляет, что, хотя «здесь есть женщины-музыканты, которые отказываются играть на своей внешности, ... те, кто действительно, как правило, более успешны в материальном плане».^[80]По словам редактора Радио 3 Великобритании Эдвины Вольстенкрофт, музыкальная индустрия уже давно открыта для участия женщин в выступлениях или развлекательных ролях, но женщины гораздо реже занимают руководящие должности, такие как руководитель оркестра.^[81] В популярной музыке, несмотря на то, что есть много певиц, записывающих песни, за ними стоит очень мало женщин. аудиоконсоль выступая в качестве музыкальных продюсеров, людей, которые направляют и управляют процессом записи.^[82] Один из самых известных артистов - Аша Бхосле, индийская певица, наиболее известная как певица в кино на хинди.^{[нужна цитата]}

СМИ и технологии

Музыкальное производство 2000-х с использованием цифровая звуковая рабочая станция (DAW) с электронной клавиатурой и мультимонитор настраивать

Музыку, которую создают композиторы и авторы песен, можно услышать через несколько средств массовой информации; наиболее традиционный способ - послушать его вживую, в присутствии музыкантов (или в качестве одного из музыкантов), на открытом воздухе или в помещении, например, в амфитеатре, концертный зал, кабаре комната, театр, паб или кофейня. С 20 века живая музыка также может транслироваться по радио, телевидению или в Интернете, или записанный и слушал на СиДи плэйер или Mp3-плеер.

Некоторые музыкальные стили сосредоточены на создании песен и произведений для живого выступления, в то время как другие сосредотачиваются на создании записи, в которой смешиваются звуки, которые никогда не исполнялись «вживую». Даже в живом стиле, таком как рок, звукозаписывающие инженеры часто используют способность редактировать, соединять и смешивать производить записи, которые можно считать «лучше», чем реальное живое исполнение. Например, некоторые певцы записывают свое исполнение мелодии, а затем записывают несколько гармонических партий с наложением, создавая звук, который невозможно воспроизвести вживую.

Технологии оказывает влияние на музыку с доисторических времен, когда пещерные люди использовали простые инструменты для просверливания отверстий в костяных флейтах 41 000 лет назад. Технологии продолжали влиять на музыку на протяжении всей истории музыки, поскольку они позволяли использовать новые инструменты и системы воспроизведения нот, и одним из переломных моментов в нотной записи стало изобретение печатный станок в 1400-х годах, что означало, что партитуры больше не нужно было копировать вручную. В 19 веке музыкальные технологии привели к разработке более мощного и громкого фортепиано и к разработке новых вентильных духовых инструментов.

В начале 20 века (в конце 1920-х гг.), Как говорящие картинки возникшие в начале 20-го века с их заранее записанными музыкальными треками, все большее число музыкантов оркестров кинотеатров оказывались без работы.^[83] В течение 1920-х годов живые музыкальные выступления оркестров, пианистов и театральные органисты были обычным явлением в первых театрах.^[84] С появлением говорящих фильмов эти показательные выступления были в значительной степени исключены. В Американская федерация музыкантов (AFM) сняли газетные объявления с протестом против замены живых музыкантов механическими игровыми устройствами. Одна реклама 1929 года, появившаяся в Питтсбург Пресс содержит изображение банки с надписью «Музыкальные консервы / Большой шумовой бренд / Гарантированно не вызовет никакой интеллектуальной или эмоциональной реакции»^[85]

С тех пор, как законодательство было введено для защиты исполнителей, композиторов, издателей и продюсеров, в том числе Закон о домашней аудиозаписи 1992 г. в США и пересмотренный 1979 г. Бернская конвенция по охране литературных и художественных произведений в Соединенном Королевстве записи и живые выступления также стали более доступными через компьютеры, устройства и Интернет в форме, которая широко известна как Музыка по запросу.

Во многих культурах меньше различий между исполнением и прослушиванием музыки, поскольку практически каждый вовлечен в какую-либо музыкальную деятельность, часто в общественной среде. В промышленно развитых странах прослушивание музыки в записанной форме, например запись звука запись или радио стали более распространенными, чем живые выступления, примерно в середине 20 века. К 1980-м годам просмотр видеоклипы был популярным способом послушать музыку, а также увидеть исполнителей.

Иногда живые выступления включают заранее записанные звуки. Например, диск-жокей использует записи на дисках за царапины, а в некоторых произведениях 20-го века есть соло для инструмента или голоса, которое исполняется вместе с музыкой, предварительно записанной на кассету. Некоторые поп-группы используют записанные минусовки. Компьютеры и многие клавиатуры можно запрограммировать на производство и воспроизведение Цифровой интерфейс музыкального инструмента (MIDI) музыка. Аудитория также может становиться исполнителей, участвуя в караоке, деятельность японского происхождения, сосредоточенная на устройстве, которое проигрывает версии известных песен без голоса. Большинство караоке-машин также имеют видеоэкраны, на которых отображаются тексты исполняемых песен; исполнители могут следить за текстами песен во время исполнения инструментальных композиций.

Интернет

Появление Интернета и повсеместное распространение высокоскоростного широкополосного доступа изменили представление о музыке, отчасти благодаря облегчению доступа к записям музыки через потоковое видео и значительно увеличился выбор музыки для потребителей. Крис Андерсон, в его книге Длинный хвост: почему будущее бизнеса - продавать меньше, а больше, предполагает, что в то время как традиционная экономическая модель спрос и предложение описывает дефицит, модель розничной торговли через Интернет основана на изобилии. Цифровое хранилище затраты невелики, поэтому компания может позволить себе разместить весь свой инвентарь учета в Интернете, предоставляя клиентам максимально широкий выбор. Таким образом, стало экономически выгодным предлагать музыкальные записи, которые интересны очень немногим. Растущее осознание потребителями своего растущего выбора приводит к более тесной связи между вкусовыми предпочтениями и социальной идентичностью, а также к созданию тысяч нишевые рынки.^[86]

Другой эффект Интернета возник с онлайн-сообщества и социальные медиа такие сайты, как YouTube и Facebook, социальная сеть. Эти сайты помогают начинающим певцам и любительским группам распространять видеоклипы с их песнями, общаться с другими музыкантами и вызывать интерес аудитории. Профессиональные музыканты также используют YouTube в качестве бесплатного издателя рекламных материалов. Пользователи YouTube, например, больше не только скачивают и слушают MP3, но и активно создают свои собственные. В соответствии с Дон Тапскотт и Энтони Д. Уильямс, в их книге Викиномика, произошел сдвиг от традиционной роли потребителя к тому, что они называют "просьюмер"роль, потребитель, который одновременно создает контент и потребляет. Проявления этого в музыке включают производство пюре, ремиксыи музыкальные клипы фанатов.^[87]

Бизнес

Музыкальный магазин по продаже синглов и альбомов

В музыкальная индустрия относится к предприятиям, связанным с созданием и продажей музыки. В его состав входят авторы песен и композиторы, которые создают новые песни и музыкальные произведения, музыкальные продюсеры и звукорежиссеры кто записывает песни и пьесы, звукозаписывающие компании и издатели которые распространяют записанную музыкальную продукцию и ноты на международном уровне, и это часто контролирует права на эти продукты. Некоторые музыкальные лейблы "независимый, "в то время как другие являются дочерними предприятиями крупных юридических лиц или международными медиа-группы. В 2000-х годах растущая популярность прослушивания музыки в виде цифровых музыкальных файлов на MP3-плеерах, iPod или компьютерах, а также продажи музыки на обмен файлами веб-сайты или покупка онлайн в виде цифровых файлов, оказали большое влияние на традиционный музыкальный бизнес. Множество мелких независимых CD магазины вышла из бизнеса, поскольку покупатели музыки уменьшили свои покупки компакт-дисков, а многие лейблы снизили продажи компакт-дисков. Однако некоторые компании преуспели с переходом на цифровой формат, например, Apple iTunes, интернет-магазин музыки которая продает цифровые файлы песен через Интернет.

Законы об интеллектуальной собственности

Несмотря на некоторые международные договоры об авторском праве, определяя, какая музыка всеобщее достояние осложняется Разнообразие национальных законы об авторском праве это может быть применимо. Закон об авторском праве США ранее охраняемая печатная музыка, изданная после 1923 года в течение 28 лет и с возможностью продления еще на 28 лет, но Закон об авторском праве 1976 г. сделал обновление автоматическим, и Закон об авторском праве в цифровую эпоху изменили исчисление срока авторских прав на 70 лет после смерти создателя. Записанный звук подпадает под механическое лицензирование, часто покрытые запутанным лоскутным одеялом государственных законов; наиболее кавер версии лицензируются через Агентство Гарри Фокса. Права на исполнение могут быть получены исполнителями или местом выступления; двумя основными организациями по лицензированию являются ИМТ и ASCAP. Два онлайн-источника для музыка в общественном достоянии находятся IMSLP (Международный проект библиотеки музыкальных партитур) и Хоровая общественная библиотека (CPDL).

Образование

Непрофессиональный

А Сузуки скрипичный концерт со студентами разного возраста

Включение некоторых занятий музыкой или пением в общее образование от дошкольный к высшее образование распространен в Северной Америке и Европе. Считается, что участие в исполнении и пении музыки развивает такие базовые навыки, как концентрация, подсчет, слушание и сотрудничество, а также способствует пониманию язык, улучшая способность отзывать информации и создания среды, более благоприятной для обучения в других областях.^[88] В начальной школе дети часто учатся играть на таких инструментах, как рекордер, петь в небольших хорах и узнать об истории западной музыки в стиле искусства и традиционной музыки. Некоторые дети начальной школы также узнают о популярных музыкальных стилях. В духовных школах дети поют гимны и другая религиозная музыка. В средних школах (и реже в начальных школах) учащиеся могут иметь возможность выступать в некоторых типах музыкальных ансамблей, таких как хоры (группа певцов), оркестры, концертные группы, джазовые группы или оркестры. В некоторых школьных системах могут быть предусмотрены уроки музыки по игре на инструментах. Некоторые студенты также берут частные уроки музыки после школы с учителем пения или инструмента. Музыканты-любители обычно изучают базовые музыкальные основы (например, узнавая о нотная запись за музыкальные гаммы и ритмы) и техники пения или игры на инструментах от начального до среднего уровня.

На университетском уровне студенты, изучающие большинство искусств и гуманитарные науки программы могут получить кредит для прохождения нескольких музыкальных курсов, которые обычно представляют собой обзорный курс по история музыки, или оценка музыки курс, ориентированный на прослушивание музыки и изучение различных музыкальных стилей. Кроме того, в большинстве университетов Северной Америки и Европы есть несколько типов музыкальных коллективов, в которых могут участвовать студенты, изучающие гуманитарные и гуманитарные науки, например, хоры, марширующие оркестры, концертные группы или оркестры. Изучение западной художественной музыки становится все более распространенным за пределами Северной Америки и Европы, например Индонезийский институт искусств в Джокьякарта, Индонезияили программы классической музыки, доступные в странах Азии, таких как Южная Корея, Япония и Китай. В то же время западные университеты и колледжи расширяют свою учебную программу, включив в нее музыку незападных культур, например музыка Африки или Бали (например, Гамелан Музыка).

Профессиональная подготовка

Манхэттенская музыкальная школа профессор и профессиональный контрабасист Тимоти Кобб преподает урок баса в конце 2000-х. Его бас имеет расширение low C с металлическим «автоматом» с кнопками для воспроизведения высот на удлинении.

Лица, стремящиеся стать профессиональными музыкантами, певцами, композиторами, авторами песен, учителями музыки и практиками других связанных с музыкой профессий, таких как история музыки профессора, звукорежиссерыи так далее, обучение по специализированным программам послесреднего образования, предлагаемым колледжами, университетами и музыкальные консерватории. Некоторые учреждения, которые готовят людей для карьеры в музыке, предлагают обучение по широкому кругу профессий, как в случае со многими ведущими университетами США, которые предлагают степени в области музыкального исполнительства (включая пение и игру на инструментах), истории музыки, теории музыки, музыкальная композиция, музыкальное образование (для лиц, желающих стать учителями музыки в начальной или средней школе) и, в некоторых случаях, дирижированием. С другой стороны, некоторые небольшие колледжи могут предлагать обучение только по одной профессии (например, запись звука).

В то время как большинство музыкальных программ университетов и консерваторий сосредоточены на обучении студентов классической музыке, есть ряд университетов и колледжей, которые готовят музыкантов для карьеры в качестве джаз или же популярная музыка музыканты и композиторы, известные примеры из США, включая Манхэттенская музыкальная школа и Музыкальный колледж Беркли. Две важные школы в Канаде, предлагающие профессиональное обучение джазу: Университет Макгилла и Хамбер Колледж. Лица, стремящиеся к карьере в некоторых музыкальных жанрах, например тяжелая музыка, кантри или же блюз с меньшей вероятностью станут профессионалами, получив ученые степени или дипломы колледжей или университетов. Вместо этого они обычно узнают о своем стиле музыки, петь и / или играя во многих группах (часто начиная с любительских групп, кавер-группы и трибьют-группы), изучая записи, доступные на CD, DVD и в Интернете, и работая с уже признанными профессионалами в своем музыкальном стиле, либо через неформальные наставничество или обычный уроки музыки. С 2000-х годов возрастающая популярность и доступность интернет-форумов и обучающих видеороликов на YouTube позволили многим певцам и музыкантам из металла, блюза и аналогичных жанров улучшить свои навыки. Многие исполнители поп, рок и кантри тренируются неформально с вокальные тренеры и учителя пения.

Бакалавриат

Бакалавриат университетские степени в музыке, в том числе Бакалавр музыки, бакалавр музыкального образования и бакалавр искусств (со специализацией в музыке) обычно занимают около четырех лет. Эти степени предоставляют студентам основы теории музыки и истории музыки, и многие студенты также изучают инструмент или изучают технику пения в рамках своей программы. Выпускники музыкальных программ бакалавриата могут искать работу или продолжить обучение в музыкальных программах магистратуры. Выпускники бакалавриата также имеют право подать заявку на участие в некоторых программах магистратуры и профессиональные школы вне музыки (например, Государственное управление, управление бизнесом, библиотечное дело, а в некоторых юрисдикциях педагогический колледж, юридическая школа или же медицинская школа).

Выпускник

Дипломы по музыке включают Магистр музыки, магистр искусств (в области музыковедения, теории музыки или другой музыкальной области), доктор философии (Ph.D.) (например, в области музыковедения или теории музыки), а в последнее время - Доктор музыкальных искусств, или DMA. Степень магистра музыки, на получение которой уходит от одного до двух лет, обычно присуждается студентам, изучающим игру на инструменте, обучение, голос (пение) или композицию. Степень магистра гуманитарных наук, которая занимает от одного до двух лет и часто требует Тезис, как правило, присуждается студентам, изучающим музыковедение, историю музыки, теорию музыки или этномузыкологию.

Докторская степень, необходимая для студентов, которые хотят работать преподавателями университетов в области музыковедения, истории музыки или теории музыки, требует от трех до пяти лет обучения после получения степени магистра, в течение которых студент завершит курсы повышения квалификации и проведет исследования для диссертация. DMA - это относительно новая степень, которая была создана, чтобы предоставить полномочия для профессиональных исполнителей или композиторов, которые хотят работать профессорами университетов в музыкальном исполнении или композиции. DMA занимает от трех до пяти лет после получения степени магистра и включает курсы повышения квалификации, проекты и выступления. В средние века изучение музыки было одним из Квадривиум из семи Гуманитарные науки и считается жизненно важным для высшего образования. В рамках количественного квадривиума музыка, точнее гармоники, было исследование рациональных пропорций.

Музыковедение

Музыковедение, академическое изучение предмета музыки, изучается в университетах и ​​консерваториях. Самые ранние определения из 19 века определяли три субдисциплины музыковедения: систематическое музыковедение, историческое музыковедение, и сравнительное музыковедение или этномузыкология. В стипендиях 2010 года больше шансов столкнуться с разделением дисциплины на теория музыки, история музыки, и этномузыкология. Исследования в области музыковедения часто обогащались междисциплинарной работой, например, в области психоакустика. Изучение музыки незападных культур и культурологическое изучение музыки называется этномузыкологией. Студенты могут продолжить обучение в бакалавриате по музыковедению, этномузыкологии, история музыкии теория музыки через несколько различных типов степеней, включая степени бакалавра, магистра и доктора философии.

Теория музыки

Теория музыки это изучение музыки, как правило, с высокой технической точки зрения, за пределами других дисциплин. В более широком смысле это относится к любому музыкальному исследованию, обычно связанному в той или иной форме с проблемами композиции, и может включать математика, физика, и антропология. На начальных классах теории музыки чаще всего преподают рекомендации по написанию в стиле период общей практики, или же тональная музыка. Теория, даже музыка периода обычной практики, может принимать множество других форм. Теория музыкального декора это приложение математической теория множеств к музыке, впервые примененный к атональная музыка. Спекулятивная теория музыки, в отличие от аналитическая теория музыки, посвящена анализу и синтезу музыкальных материалов, например системы настройки, как правило, в качестве препарата для приготовления композиции.

Zoomusicology

Zoomusicology это изучение музыки животных, не являющихся людьми, или музыкальных аспектов звуков, издаваемых животными. Как спросил Джордж Херцог (1941): «Есть ли у животных музыка?» Франсуа-Бернар Машс Musique, mythe, nature, ou les Dauphins d'Arion (1983), исследование «орнитомузыковедения» с использованием техники Николя Руветс Язык, музыка, поэзия (1972) парадигматический анализ сегментации, показывает, что песни птиц организованы по принципу повторения-преобразования. Жан-Жак Наттиез (1990) утверждает, что «в конечном итоге именно человек решает, что является музыкальным, а что нет, даже если звук не человеческого происхождения. Если мы признаем, что звук не организован и не концептуализирован (то есть созданная для создания музыки) только ее продюсером, но умом, который ее воспринимает, тогда музыка уникальна для человека ».

Этномузыкология

Этномузыколог Фрэнсис Денсмор запись Черноногий главный Горный вождь для Бюро американской этнологии (1916)

На Западе большая часть изучаемой истории музыки связана с художественной музыкой западной цивилизации, известной как классическая музыка. История музыки в незападных культурах ("этническая музыка"или область" этномузыкологии "), которая обычно охватывает музыку из Африки и Азии, также преподается в западных университетах. Это включает задокументированные классические традиции азиатских стран, не находящихся под влиянием Западной Европы, а также народную или местную музыку различных другие культуры. Популярные или народные стили музыки в незападных странах широко варьировались от культуры к культуре и от периода к периоду. В разных культурах подчеркивались разные инструменты, техники, стили пения и способы их использования в музыке. Музыка использовалась для развлечений, церемоний, ритуалов, религиозных целей, а также для практического и художественного общения. Незападная музыка также использовалась в пропагандистских целях, как и в случае с Китайская опера вовремя Культурная революция.

Существует множество музыкальных классификаций незападной музыки, многие из которых вовлечены в споры по поводу определение музыки. К числу наиболее крупных из них относится разделение на классическую музыку (или "художественную" музыку) и популярную музыку (или коммерческая музыка - включая незападные стили рока, страна, стили, связанные с поп-музыкой). Некоторые жанры не вписываются в одну из этих категорий "большой двойки" (например, Народная музыка, этническая музыка, или же джаз-связанная музыка).

Поскольку мировые культуры вошли в более широкий глобальный контакт, их местные музыкальные стили часто сливаются с другими стилями, что дает новые стили. Например, США мятлик стиль содержит элементы из Англо-Ирландский, Шотландский, Ирландский, Немецкий африканские инструментальные и вокальные традиции, которые смогли слиться в многоэтническомплавильный котел"общество. Некоторые типы мировой музыки содержат смесь незападных коренных стилей с элементами западной поп-музыки. Жанры музыки определяются как традициями и подачей, так и самой музыкой. Некоторые произведения, например Джордж Гершвинс Рапсодия в синем, востребованы как джазовой, так и классической музыкой, в то время как Гершвин Порги и Бесс и Леонард Бернстайнс Вестсайдская история востребованы как оперой, так и Бродвейский мюзикл традиция. Многие текущие музыкальные фестивали незападной музыки включают группы и певцов определенного музыкального жанра, например мировой музыки.

Индийская музыка, например, это один из старейших и наиболее давно существующих музыкальных жанров, который до сих пор широко звучит и исполняется в Южной Азии, а также во всем мире (особенно с 1960-х годов). Индийская музыка состоит в основном из трех форм классической музыки: Хиндустани, Carnatic, и Дхрупад стили. Он также имеет большой репертуар стилей, который включает только перкуссию, например, выступления талавадьи, известные в Южная Индия.

Музыкальная терапия

Музыкальный терапевт из программы «Блюз в школах» играет на губной гармошке с моряком ВМС США в Центре морской терапии.

Музыкальная терапия это межличностный процесс, в котором обученный терапевт использует музыку и все ее аспекты - физические, эмоциональные, умственные, социальные, эстетические и духовные - чтобы помочь клиентам улучшить или сохранить свое здоровье. В некоторых случаях потребности клиента удовлетворяются напрямую через музыку; в других случаях они решаются через отношения, которые развиваются между клиентом и терапевтом. Музыкальная терапия используется с людьми всех возрастов и с различными состояниями, включая: психические расстройства, медицинские проблемы, физические недостатки, сенсорные нарушения, нарушения развития, проблемы со злоупотреблением психоактивными веществами, коммуникативные расстройства, межличностные проблемы и старение. Он также используется для улучшения обучения, повышения самооценки, снижения стресса, поддерживать физические упражнения, и способствовать множеству других мероприятий, связанных со здоровьем. Музыкальные терапевты могут побуждать клиентов петь, играть на инструментах, сочинять песни или заниматься другой музыкальной деятельностью.

Одно из первых упоминаний о музыкальной терапии было в Аль-Фарабитрактат (ок. 872–950) Значения интеллекта, в котором описано терапевтическое воздействие музыки на душа.^{[89][требуется проверка]} Музыка издавна использовалась, чтобы помочь людям справиться со своими эмоциями. В 17 веке ученый Роберт Бертонс Анатомия меланхолии утверждал, что музыка и танцы имеют решающее значение в лечении психическое заболевание, особенно меланхолия.^[90] Он отметил, что музыка обладает «превосходной силой ... изгонять многие другие болезни», и назвал ее «суверенным лекарством от отчаяния и меланхолии». Он указал, что в «Античности» Канус, родосский скрипач, использовал музыку, чтобы «развеселить меланхолика,… любовника более влюбленного, а религиозного человека - более набожным».^[91][92][93] в Османская империя, психические заболевания лечили музыкой.^[94] В ноябре 2006 г. доктор Майкл Дж. Кроуфорд^[95] и его коллеги также обнаружили, что музыкальная терапия помогает шизофреник пациенты.^[96]

Альберт Эйнштейн всю жизнь любил музыку (особенно произведения Бах и Моцарт),^[97] однажды заявив, что жизнь без музыки будет для него немыслима. В некоторых интервью Эйнштейн даже приписывал большую часть своей научной интуиции музыке, а его сын Ганс рассказывал, что «всякий раз, когда он чувствовал, что подошел к концу пути или попал в трудную ситуацию в своей работе, он нашел убежище в музыке, и это обычно разрешало все его трудности ». Что-то в музыке, по мнению Микеле и Роберта Рут-Бернстайнов в Психология сегодня, "would guide his thoughts in new and creative directions."^[98] It has been said that Einstein considered Mozart's music to reveal a universal harmony that Einstein believed existed in the universe, "as if the great Wolfgang Amadeus did not 'create' his beautifully clear music at all, but simply discovered it already made. This perspective parallels, remarkably, Einstein’s views on the ultimate simplicity of nature and its explanation and statement via essentially simple mathematical expressions."^[99] A review suggests that music may be effective for improving subjective sleep quality in adults with insomnia symptoms.^[100] Music is also being used in clinical rehabilitation of cognitive and motor disorders.^[101]

Смотрите также

• Музыкальные расстройства
• Списки музыкантов
• List of musicology topics
• Список музыкального программного обеспечения
• Музыка и эмоции
• История музыки
• Женщины в музыке
• Интернет-архив
• История музыки
• Музыкальная археология

Рекомендации

дальнейшее чтение

• Colles, Henry Cope (1913). The Growth of Music: The age of sonata, from C.P.E. Bach to Beethoven. Кларендон Пресс.
• Harwood, Dane (1976). "Universals in Music: A Perspective from Cognitive Psychology". Этномузыкология. 20 (3): 521–533. Дои:10.2307/851047. JSTOR 851047.
• Kennedy, Michal; Kennedy, Joyce Bourne (2013) [2012]. Tim Rutherford-Johnson (ed.). Оксфордский словарь музыки (6th paperback ed.). Оксфорд: Издательство Оксфордского университета. ISBN 978-0-19-957854-2.
• Рут, Дин Л., изд. (2001). Словарь музыки и музыкантов New Grove. Издательство Оксфордского университета. Отсутствует или пусто | название = (помощь)‎ Online version as Grove Music Online
• Small, Christopher (1977). Music, Society, Education. John Calder Publishers, London. ISBN 0-7145-3614-8

внешняя ссылка

• Музыка на Британская энциклопедия
• BBC Blast Music For 13- to 19-year-olds interested in learning about, making, performing and talking about music.
• Grove Music Online — online version of Словарь музыки и музыкантов New Grove.
• The Virginia Tech Multimedia Music Dictionary, with definitions, pronunciations, examples, quizzes and simulations
• The Music-Web Music Encyclopedia, for musicians, composers and music lovers
• Dolmetsch free online music dictionary, complete, with references to a list of specialised music dictionaries (by continent, by instrument, by genre, etc.)
• Musical Terms – Glossary of music terms from Naxos
• "On Hermeneutical Ethics and Education: Bach als Erzieher", a paper by Prof. Miguel Ángel Quintana Paz in which he explains the history of the different views hold about music in Western societies, since the Ancient Greece to our days.
• Monthly Online Features From Bloomingdale School of Music, addressing a variety of musical topics for a wide audience
• Arts and Music Uplifting Society towards Transformation and Tolerance Articles meant to stimulate people's awareness about the peace enhancing, transforming, communicative, educational and healing powers of music.
• Scientific American, Musical Chills Related to Brain Dopamine Release